Durante casi dos semanas, Lima no solo será escenario de los locos cambios de clima a los que nos tiene acostumbrados. Del 28 de mayo al 9 de junio la capital también le dará cabida a lo mejor del cine latinoamericano con 132 películas (más de 20 funciones al día) que se proyectarán en diversos puntos de la ciudad en esta segunda edición del Festival Iberoamericano de Cine Digital 2013. Cinéfilo, estás de fiesta.

Como para que dejes de quejarte de una vez por todas de la misma cartelera de siempre y de los precios usureros, llega este festival para destacar que no se necesita de grandes presupuestos, actores famosos o publicidad millonaria para crear un producto original y de calidad. Por ello, los principales criterios de selección de esta muestra fueron que sean películas grabadas en formato digital y que sean iberoamericanas.

Para esta ocasión, el elegido por la revista Time y CNN como uno de los 50 latinoamericanos más influyentes del nuevo milenio, Alberto Fuguet, será el invitado de honor. El periodista, escritor y cineasta viene a presentar su nueva película: “Locaciones. Buscando a Rusty James”, y su libro: Cinépata, una bitácora que recopila varios de sus artículos de cine.

Cinépata es además una web que se dedica a difundir por Internet cortometrajes y largometrajes independientes de manera gratuita y legal. De manera que si Cuevana no carga y te han cancelado la cuenta de Neftlix por no pagar, siempre puedes buscar nuevas propuestas aquí.

Así que para variar, no estaría mal que te des una vuelta y cambies la cartelera hollywoodense y asumarense por unos cuantos días. Ten en cuenta que se presentarán 368 funciones en 10 sedes y el ingreso a todas las actividades (conversatorios, presentaciones de libros, talleres, etc.) es completamente libre. Ve cuatro, cinco, diez, todas las películas que puedas y agradece que en la ‘Lima con cielo panza de burro’, no todo es comida.

Para revisar la programación del festival puedes hacer clic aquí o visitarlos en Facebook.

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Recomendaciones:

Locaciones de Fuguet. Para cualquier persona que haya visto La ley de la Calle de Francis Ford Coppola es una cita imperdible, un homenaje lleno de referencias cruzadas.

Side by side: documental de clausura que aborda la historia del cine digital y cuenta con la participación de Martin Scorsese,  Dany Boyle, David Fincher, David Lynch, Christopher Nolan, entre otros. Dirigido por Christopher Kenneally y producido por Keanu Reeves.

Manú Chao, un día en la Cofilata: para los amantes de la música, un documental sobre el cantautor francés.

Cine inusual: lo mejor del cine más bizarro que ha recorrido los festivales de Latinoamérica en esta sección.

“De los retorcidos guionistas de Saw IV, V, VI y VII…”. Esa es la marketera frase que aparece como carta de presentación de El Coleccionista II, película dirigida por Marcus Dunstan y escrita por Patrick Melton. Esta espeluznante secuela trae de vuelta a Arkin (Josh Stewart), un ladrón que ya había sido atrapado en el laberinto del coleccionista en la primera parte de la saga, y hoy es llave para liberar a otra víctima. Te contamos todo, incluyendo el final para arruinarte la función (no mentira, no somos como Homero Simpson).

Elena (Emma Fitzpatrick), una joven rebelde y hasta probablemente demócrata, es invitada a una fiesta subterránea, mientras en las noticias todos hablan de un asesino en serie suelto por ahí. Aprovechando que su viejo (Christopher McDonald) –quien, por cierto, aparece casi nada pero con una buena actuación– se ha quedado dormido, se escapa de casa y se larga de parranda con dos amigas. Y ya sabes lo que la moralina cinematográfica dice que le pasa a las muchachas imprudentes:

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El tonazo, ubicado en un sótano, será el escenario de la pesadilla. Se armará un collage alucinante de sangre, brazos y piernas por doquier (no lleves lonchera amigo gore, que acá hay un surtido banquete sanguinario), pero es aquí, justo en el alboroto de la matanza de los toneritos, que Arkin (personaje de El Coleccionista I) logra escapar.

¡Bien! Una víctima que se salva, final feliz para él. ¿Eso crees? Naahhh. Arkin será obligado a regresar para rescatar a Elena. Ok, argumento de pela de terror pero, si te gusta la sangre más que a los personajes de True Blood, aquí estarás bien servido.

Dicen que las segundas partes siempre son malas, en este caso hay que preguntarnos  ¿qué tal fue la primera? Pues según Rotten Tomatoes, la precuela solo tuvo 30% de comentarios positivos y una valoración promedio de 4.2/10.

De acuerdo a la misma página de críticas, The Collection –no te confundas, la primera es The Collector –  tuvo mejores comentarios que la primera parte, con un 39% de reviews positivos y una aprobación del público del 63%. Sin embargo, alguien podría decir que las reseñas no le hacen tan buena fama: “ofrece más escenas espeluznantes y de humor retorcido que su predecesor, en otras palabras, buena para los amantes del género, pero desagradable para todos los demás”. Bueno, qué cosa quieren, el gore es exclusivo para quienes puedan comer su pop corn sin preocupaciones mientras una persona es destazada en la pantalla.

No vas a encontrar escenas complicadas. Para nada. Es una película bastante digerible, con una pizca de suspenso, un encuentro con un encapuchado que droga y tortura a sus víctimas y, si tienes suerte, un brazo al lado de tu asiento. Eso sí, aunque la saga de Saw y estas dos últimas han sido catalogadas como dignas representantes del gore y torture porn, no te hagas muchas ilusiones porque las 7 de Jig Saw son superiores en cuanto a complejidad, guion y efectos creados especialmente para torturarte mentalmente.

Pero quizás el mayor atractivo de esta película, al menos para nosotros, radica en que aquí el asesino no tiene cara, ni voz. Su identidad permanece en el anonimato durante los 82 minutos que dura el filme. El callado antagonista taxidermista hablará solo con sus acciones psicópatas.

Por otro lado, aunque no entregue ningún aporte revolucionario al género, el director, Michael Dunstan, hace un trabajo lo suficientemente bueno –con sus fallas, es cierto, como la terrible escena en la que una podadora tritura a todos en la discoteca– como para hacer saltar en sus asientos a los espectadores.  En resumen, una de esas películas que, si decidiste ver, tienes que hacerlo de todas maneras en el cine y con canchita y gaseosa a la mano. La sangre siempre se verá mejor en la pantalla grande.

Wayne Montgomery o “Monty” es un tablista norteamericano procedente de la calurosa California que decide venir a nuestro país en plena época de la transición a la democracia. Es recibido por una Lima ochentera donde la violencia es el pan de cada día. Sin saberlo por las dificultades del idioma y el atropello de un grupo de policías, es acusado injustamente  por el delito de narcotráfico y encerrado en la famosa cárcel “El Sexto”. Algunos oficiales de la desaparecida PIP (Policía de Investigación peruana) ven al visitante como una mina de oro y deciden extorsionar a su familia… pero él no cederá.

De eso se trata la más reciente película filmada en nuestra capital: Ciudad Jardín, un film norteamericano independiente protagonizado por la actriz peruana Anahí de Cárdenas y el actor norteamericano, John Robinson, bajo la dirección de Camilo Vila. Esta historia de la vida real, que ha sido escrita y producida por el mismísimo Montgomery Fisher, ha sido premiada en el Hollywood Reel Film Festival y en el The New York International Latino Film Festival.

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“Prometí que un día contaría la historia acerca de mi experiencia en una cárcel peruana, y que la estrenaría en pantalla grande. Me siento bendecido porque nunca me rendí ante la promesa que me hice en Guayaquil en 1980 mientras huía”, comenta Montgomery sobre la cinta, quien además dice que cumplirá su sueño de estrenar el film en la ciudad donde sucedieron los hechos que marcaron su vida para siempre.

Con un trabajo de iluminación impecable y mejor sonido, destaca también la actuación de John Robinson, quien es recordado por haber protagonizado en el 2003 la película “Elephant” de Gus Vas Sant. Las actuaciones de los nacionales Anahí de Cárdenas y Renzo Schuler, quienes cumplen roles secundarios en la historia, logran su cometido aunque sin relucir dentro de la trama, quizás por la naturaleza de sus propios personajes.

Así que si quieres ver una historia alucinante, “Ciudad Jardín” se proyectará del jueves 17 al miércoles 23 de enero del 2013 en los cines UVK Larcomar (Miraflores), Cinestar Las Américas (Av. Hermilio Valdizán 121 – Jesús María), Cinestar Metro Breña (Jr. Iquique 315 – Breña) y Cinestar Metro San Juan (Av. Los Próceres de la Independencia 1632 – S.J. L.), en la función de las 8 de la noche.

Ha participado en exitosas series norteamericanas como The Shield y Justified, y ahora es Billy Crash –uno de los villanos de Django desencadenado, la nueva película de Tarantino–, despiadado entrenador de esclavos que organiza sangrientas peleas clandestinas entre ellos. Un motherfucker, en sus propias palabras. Es un bad boy de la televisión y ahora del cine al que le encanta la complejidad que le brindan los personajes más oscuros. Sin embargo, en la vida real, tiene su corazoncito. Dedomedio conversó con el malo que aunque disfruta de serlo, en el fondo quiere, por fin, ser el bueno de la película.

Las tarjetas personales de Walton Sanders Goggins Jr. podrían decir tranquilamente: “Walton Goggins, profesión: malvado”. Y es que precisamente los papeles de antagonista le han valido a este actor sus mejores críticas. Forjó fama en la serie policiaca The Shield (2002) –ganadora de un Emmy en su primera temporada y que en 2008 se coronó en el primer puesto de las series de televisión según el top 10 elaborado por la revista Time–, donde encarnó al desalmado detective Shane Vendrell, parte de un grupo de asalto que combatía el crimen a través de violencia policiaca, extorsión, chantajes y asesinatos. Luego vendría otro gran villano con su exitosa aparición en Justified, show en el que interpreta al truhán Boyd Crowder, némesis de Raylan Givens, el protagonista. Walton hizo un malo tan bueno que Crowder, quien iba a ser asesinado en la primera temporada, se convirtió en un personaje inamovible debido a la gran acogida que tuvo en la audiencia. Ahora el también ganador de un Oscar en 2001 como productor del cortometraje The Accountant, seguirá sacándole réditos a su facilidad para interpretar el papel de maloso cuando le dé vida a Billy Crash en el más reciente film de Quentin Tarantino, Django desencadenado. Pero desde el otro lado de la línea telefónica, Goggins suena sumamente amable y no produce el temor de sus personajes.

Has sido reconocido por las exitosas The Shield y Justified, ambas con muy buenas críticas. Has ganado un Oscar por un corto y has grabado con dos de los directores más importantes del medio. ¿Podrías decir que ahora te sientes cómodo en la alfombra roja?
Esa es una gran pregunta. Nadie me la había hecho antes. No sé cómo hay gente que se siente tan bien con eso porque ahí hay una extraña configuración de personas. No creo que haya alcanzado un punto en el que me sienta completamente cómodo con esto, pero creo que por lo menos lo manejo mucho mejor de lo que alguna vez pude haberlo hecho. Me genera un poco de ansiedad que cada vez me sienta más cómodo en la alfombra roja. De todas formas, ahora estoy un poco más contento con esto.

¿No te cansa ser siempre el malo? ¿Alguna vez has deseado ser el bueno, o siempre es más divertido pegarla de villano?
A veces me canso de ser el chico malo. Me gustaría estar en una comedia romántica tanto como a cualquier otro. Pero habiendo dicho eso, de verdad disfruto mucho la complejidad de los personajes que he tenido la oportunidad de interpretar. Si estás haciendo el papel de alguien, por muy oscuro que sea, debes entender que hay múltiples razones para que esa oscuridad permanezca allí. Todos somos seres humanos poseídos por el bien y el mal y estos extremos son frecuentemente explorados por el cine a través de las historias.

Billy Crash, tu personaje en Django desencadenado, tuvo que fusionarse con el de Ace Woody, uno muy sólido y con mayor relevancia para la historia, debido a que Kurt Russell dejó el rodaje. Cuando tu personaje ganó protagonismo, ¿sentiste mucha presión y responsabilidad?
Cuando una cosa así ocurre sería muy fácil caminar hacia la puerta de salida y sentirte invadido por el miedo. Pero como cualquier gran experiencia en la vida, si te paras justo frente a ella y no dejas que te mande, entonces tú estarás por encima. Al principio fue difícil compartir el set con actores que han estado por mucho tiempo en la industria. Para superarlo, me calmé y me di cuenta de que había muchas personas a mi alrededor que me ayudaban y me refugié en eso.

Me imagino que la recompensa es ver tu trabajo al final…
Claro que sí. Te sientes completo al final de día. Sentí que estaba contribuyendo con algo que trasciende casi todo lo que he hecho. Fue genial actuar en Django desencadenado y poder ser un color con el que Tarantino pueda pintar. Es mucho más grande que todo lo que hecho hasta ahora.

Hablando de Tarantino, ¿qué tal tu experiencia trabajando en el set con él?
Fue muy estimulante trabajar con un hombre que tiene una pasión, un amor y un apetito insaciable por contar historias. Es incansable cuando se trata de hacer elecciones, es una de las personas más curiosas que he conocido en mi vida. Es un apasionado del cine, definitivamente.

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Ésta es una película que retrata un episodio oscuro en la historia de Estados Unidos. ¿Te gusta la idea de poner en el tapete este tipo de temas? ¿Es incómodo hablar de este vergonzoso periodo?
Sí, es incómodo. Pero una persona necesita incomodarse para poder cambiar. Creo que las conversaciones sobre este periodo tan oscuro en la historia del país necesitan salir a la luz una y otra vez para que la gente cambie. Para esta generación de gente joven, no existe mejor facilitador que Tarantino, ya que él es capaz de recrear el horror con una pizca de humor. Todos han tenido un cuenta historias favorito. Y ahora contamos los periodos oscuros a través del cine. Lo que no se logre en esta película, otro cineasta tan talentoso como Tarantino lo logrará en 20, 30 ó 40, años.

Has sido un miembro activo del Partido Demócrata durante la campaña de Barack Obama. Fuiste, literalmente, de puerta en puerta tratando de convencer a las personas para que voten por él. ¿Qué fue lo más curioso o gracioso que te pasó?
He tenido conversaciones con gente que no estaba de acuerdo con la filosofía de Obama, pero felizmente todo fue muy civilizado. Si vas buscando uno por uno, si no existe interferencia ni ganas de persuadir como sea a la otra persona, en promedio, las personas se van a sentar a escucharte y a tratar de entenderte, y todo eso con mucho respeto y eso que era un periodo en el que se estaba en plena campaña y todo estaba tan polarizado. Eso fue genial.

¿Me estás diciendo que mientras hacías campaña a favor de Obama, yendo de puerta en puerta, nadie te trató mal?
No, para nada. Nadie me trató mal. Todos fueron muy respetuosos.

¿Dirías que estás satisfecho con su gobierno?
Ésta es una pregunta muy grande. No creo que sea capaz de respondértela.

Pero al menos, ¿estás contento con su reelección?
Bueno, no puedo responder a este tipo de preguntas… pero sí, claro que estoy contento.

Leí que dijiste en una entrevista que el amor es un gran liberador y hasta has citado a The Beatles con un: “All you need is love”.

Soy un romántico. Tengo una curiosidad romántica con el mundo. Y tengo la habilidad nata de tener compasión por un amigo, por mi esposa, por mi enemigo, por la naturaleza. Si tienes compasión por otra entidad puedes resolver las discrepancias con amabilidad y amor. Y cuando no puedo hacerlo presiono mi botón de reset y recalibro mi lugar en este mundo. Eso es más o menos en lo que creo.

¿Quién puede dudar del éxito comercial de Crepúsculo? La saga ha traído consigo millones de dólares pero no pudo conseguir el visto bueno de los fans tradicionales de las historias vampirezcas. Summit Entertainment, estudio detrás de la saga de chupasangres emos, atraído por los beneficios monetarios que otro romance de horror podría generar posó los ojos sobre Warm bodies la novela de Isaac Marion sobre un zombie (Sí, adolescente) que se enamora de una joven aún viva. Pero parece que Summit Entertainment ya no quiere recibir más quejas y para esta suerte de Romeo y Julieta creepy (que el protagonista se llame “R” no es casual) ha decidido combinar no solo el romance con muertos vivientes, sino que le ha agregado humor. Su estreno está previsto para febrero de 2013 (claro, si es que el 21 de diciembre no se acaba el mundo por, digamos, una invasión zombie) y la ecuación parece interesante. Si no lo crees, mira el trailer y juzgalo tú mismo.

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BARRY NELSON (1954)

Si crees que la primera versión fílmica de Casino Royale, el libro de Ian Fleming sobre 007, fue la que protagonizó Daniel Craig, tu cultura bondiana está pos los suelos. Barry Nelson fue el actor que le dio vida a James Bond en la adaptación para la televisión de esta novela, un año después de publicada la obra. Nelson era un bond algo robusto y medio cachetón, y en lugar de trabajar para el MI6 chambeaba para la CIA. Lo agringaron tanto que algunos lo llamaban Jimmy. Casino Royale fue el único episodio de la serie Clímax! que desapareció tras este capítulo de una hora. La CBS le pagó a Fleming 1,000 dólares (aproximadamente 8,600 dólares actuales) para poder adaptarla.

SEAN CONNERY (1962-1967, 1971, 1983)

El primer Bond oficial del cine. Su actuación en Dr. No fue tan aplaudida que protagonizó seis películas más como este espía británico. Luego de You only live twice anunció su intención de no volver a interpretar a 007, para evitar encasillarse en el personaje. Pero tras Al servicio de su majestad lograron convencerlo para que filmará una película más: Los diamantes son eternos. Ésta sería su última película oficial como el agente con licencia para matar, Pero no la última vez que haría de Bond. Connery filmó Nunca digas nunca jamás, una reversión de Operación trueno, que curiosamente él protagonizó años antes. Así, debido a esta pela no oficial, Bond fue interpretado por dos actores en 1983 (el otro fue Roger Moore en Octopussy).

DAVID NIVEN (1967)

Pregunta capciosa: ¿quién interpretó a James Bond en la segunda versión de Casino royale? Si tu respuesta fue David Niven, ésta estará incompleta. En esta comedia de 1967, James Bond (Niven) le pide a seis personas –incluidas cuatro mujeres– que se hagan pasar por él para despistar al SMERSH, el organismo de contrainteligencia soviética. Lo correcto sería decir que Bond fue interpretado en esta cinta por David Niven, Peter Sellers, Terence Cooper, Ursula Andrews, Barbara Bouchet, Daliah Lavi y Joanna Pettet. ¡¿WTF?! La película se promocionó bajo el slogan: “Casino Royale es demasiado… para un solo James Bond”. En el filme también aparece la hija que tuvo James Bond con la Mata Hari: la Mata Bond, además del sobrino del espía, Jimmy Bond (Woody Allen).

GEORGE LAZENBY (1969)

Los mayores enemigos de Bond en Al servicio secreto de su majestad, el único filme protagonizado por el australiano George Lazenby, no son villanos a los que el MI6 le manda combatir, estos se encontraban más bien en el rodaje. Según Lazenby, el director Peter Hunt se rehusaba a hablar directamente con él y la chica Bond, la ya famosa Diana Rigg, lo ninguneaba a su antojo. Es que éste era el primer protagónico de Lazenby y se lo había ganado fortuitamente: Sean Connery renunció a la saga, Timothy Dalton y Roger Moore rechazaron el papel por temor y compromisos previamente pactados, respectivamente. Cuando Albert R. Broccoli, productor de la pela, lo vio casualmente vestido de traje y usando un Rolex Submariner, a lo Bond, lo animó a hacer el casting. Tal vez, si hubiese sabido las que iba a tener que pasar, no hubiese aceptado.

ROGER MOORE (1973-1985)

De todos los 007 de la historia, Roger Moore fue el más productivo. En los 13 años le dio vida a Bond, filmó siete películas, récord difícilmente superable para un Daniel Craig con solo tres filmes estrenados. Y eso que pudieron ser más: Moore interpretaba a Simon Templar en la exitosa serie setentera El Santo, razón por la que no pudo encarnar al agente británico en Al servicio secreto de su majestad cuando se lo propusieron a finales de los sesenta. Su última película como el agente más bravo del MI6 fue A view to a kill, a la edad de 58 años. Su actuación es destacada aunque se le critica que le haya quitado la frialdad que el agente posee en los libros.

TIMOTHY DALTON (1987-1989)

Solo protagonizó dos películas porque arrugó. Le ofrecieron el papel del agente secreto más famoso del mundo en 1968, cuando Dalton bordeaba los 25 años, pero debido a su juventud y a que Sean Connery –su predecesor– le había dejado la valla muy alta, prefirió decir “para otra oportunidad, hermanito”. Felizmente no solo para él, la revancha llegó 20 años después. Para los fanáticos de las novelas de Fleming, Dalton es el que más se aproxima al personaje original, como lo refiere el escritor Christopher Mills quien resume al Bond de Dalton como “un bebedor, duro y profesional que no tiene alegría por matar, sin embargo siente cierta satisfacción en hacer bien su trabajo”.

PIERCE BROSNAN (1995-2002)

No sabemos qué le dieron a 007 en los noventa pero el tipo se enfrascaba en aguerridas peleas a puño limpio, tras las cuales no salía ni siquiera despeinado. Para muchos, el Bond más fantasioso y más flojo. Sin embargo, estuvo voceado para enfundarse el traje de este espía inglés desde 1984, pero su contrato con la serie Remington Steele le impidió ser el cuarto Bond. Su actuación le bastó al irlandés para rodar cuatro entregas de la saga, ¿o habrá sido que no había otro?

Daniel Craig 2008- a la actuidad)

Con el sexto Bond oficial no hay medias tintas: o lo abucheas o lo aplaudes de pie. Fue el actor más resistido antes de siquiera decir “mi nombre es Bond, James bond” frente al espejo. Pero su interpretación en Casino Royal convenció a quienes lo prejuzgaron, al punto de ser nominado a un BAFTA, un logro que ningún otro bond consiguió antes. Al igual que Dalton, Craig interpreta a un Bond frío, aunque con un toque de rudeza para poder competir con tanta película de acción.

¿Qué es lo primero que quieres hacer luego de tener un sueño que te haya impactado? Tu respuesta seguro será: “Contárselo a la primera persona con la que me encuentre (si es que no se trata de un sueño húmedo)”. Y es lógico, porque cuando dormimos nuestra mente vuela y muchas veces nos sorprende. Estos directores tomaron los sueños como referente para memorables escenas cinematográficas o incluso para películas enteras. Esperamos que este post no te dé sueño.

 ¿QUÉ TE HAS FUMADO?

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En Dumbo (1941), el elefante de las orejas súper desarrolladas y Timoteo (el ratón, no el dragón) beben agua de un tonel en el que accidentalmente cayó alcohol. La ingesta hará que vean elefantes rosa que los acosan en sueños y cambian de color. ¿Las alucinaciones son producto de la borrachera o de una pesadilla? Pensamos que ambas pero, por las imágenes tan pastrulas, no nos extrañaría que hayan estado en ácidos.

JAPÓN ONÍRICO

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Los sueños de Akira Kurosawa (1990) es una de las películas más famosas, y más aclamadas, de este director japonés. En ella se alternan sueños y pesadillas inspiradas en las que efectivamente tuvo el cineasta. Las ocho historias son destacables, pero te dejamos con Cuervos, en la que un estudiante de arte pasea por los cuadros de un Vincent van Gogh interpretado por Martin Scorcese.

YA TE OLVIDÉ

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Qué bonito sería poder borrar en una sola noche a aquella persona a la que adorabas y terminaste odiando luego de una relación tormentosa. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos lo hace posible. Esta joya de Michel Gondry nos cuenta cómo Joel (Jim Carrey) intenta sacar de su mente a Clementine (Kate Winslet) –gracias a un innovador método para borrar los recuerdos mientras duermes–, debido a que ésta le aplicó un “delete” a él, primero. Pero como buen ser humano contradictorio, en plena operación de borrado, Joel se arrepiente, como tú cuando llamas a tu “ex” al momento en que el alcohol te domina.

EL VERDADERO ORIGEN

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Ariadne (Ellen Page), es contratada por Dom Cobb (Leonardo DiCaprio)0 –un ladrón de información a través de los sueños– para “implantar una idea” en la memoria de un poderoso empresario. Cuando Cobb la introduce en su propia mente para que se familiarice con el trabajo, Ariadne desafía las leyes de la física creando paisajes imposibles. La película ganó cuatro Oscar y fue nominada como Mejor Guión Original peeeeeero… antes de que siquiera se empezara a rodar, el Pato Donald ya había propuesto una trama similar. En el cómic The Dream of a Lifetime, los chicos malos se meten a los sueños de Rico McPato para obtener la clave de su caja fuerte sin que éste se dé cuenta. El Pato Donald hará lo propio para impedir este acto. Al parecer Cristopher Nolan leía mucho cómic.

QUE SUEÑES CON SANGRECITA

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Nancy Thompson tiene encuentros con el hombre de sus sueños, pero lejos de ser citas románticas se trata de terroríficas pesadillas con Freddy Krueger, un hombre al que los adultos del pueblo ejecutaron y que ahora se cuela en la mente de los más jóvenes para matarlos. Pesadilla en Elm Street (1984)  invirtió dos millones de dólares en su elaboración y recaudó más de 26 millones. Además, fue la primera película de Johnny Depp. Seguro recordarás la escena en la que el actor es convertido en varios litros de ketchup.

PERO SI ES UNA NENA

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Lester Burnham (Kevin Spacey), un cuarentón casado, se muere por una chibola (frase que indirectamente se hará literal al final de la película). Tal será la obsesión que hasta la soñará despierto. Este amor prohibido nos dejó una de las escenas del cine más recordadas de los últimos tiempos. No me vas a decir que no has tenido un sueño así.

MI DULCE INDIGESTIÓN

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Durante su tercera película, Las aventuras de Winnie Pooh (1977), este osito de felpa se mete una empanzada que le producirá pesadillas. Mientras hace guardia para que no le roben la miel, se queda dormido y sueña con efelantes (elefantes) y wartas (martas o comadrejas) que roban su tesoro más preciado. Si ya viste las imágenes, concordarás con nosotros con que Disney, primero, tenía un problema con los elefantes y, segundo, le entraba al LSD.

El cine tiene la culpa de que creamos que la vida viene con banda sonora. Y eso ocurre debido a que algunas veces, los momentos musicales se roban la película. Aquí te dejamos siete escenas (sí, ok, ya sabemos que hay un montón de momentos musicales que omitimos, pero tampoco era hacer una lista de 100, y en todo caso te dejamos el espacio de comentarios para que pongas tus momentos musicales cinemeros favoritos) en los que sus directores y productores supieron musicalizar la acción. 

FREE FALLING (JERRY MAGUIRE)

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Jerry Maguire (Tom Cruise) acaba de mandar a la mierda a la empresa para promoción de deportistas en la que trabajaba para formar su propio negocio, donde el dinero no sea lo más importante. Pero con solo un pez y una secre, poco es lo que puede hacer. Cuando logra cerrar un trato verbal con Frank Cushman (Jerry O’Connell), uno de los jugadores de fútbol americano más cotizados del mercado (contrato que se romperá más adelante, al no haber ningún papel firmado), Jerry sale de esa reunión más feliz que perro con dos colas y busca en la radio un tema que grafique su momento. Se topa con el Free falling de Tom Petty, y oír “I’m Free” (soy libre) lo emociona, tal vez pensando que se libró de sus jefes chupasangre, sin advertir que la frase completa, “I’m free falling”, significa “Estoy en caída libre”, algo más acorde con su situación (sí, en adelante toda su carrera se irá al carajo).

SUPER FREAK (LITTLE MISS SUNSHINE)

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Olive Hoover (Abigail Breslin) es una niña de siete años que ha recorrido con su familia 1,287 kilómetros en una combi para cumplir su sueño: ganar un concurso de belleza para niñas (el mismo que le da el título a la película) donde, a diferencia de Olive, todas las niñas están súper producidas de manera perturbadora. Entrenada en secreto por su recientemente fallecido abuelo (alguien que evidentemente frecuentaba clubes de desnudistas), presenta como rutina un baile erótico, con el tema Super freak, de Rick James, escandalizando a madres que suelen depilar las piernas de su hijas, maquillarlas en exceso y broncearlas artificialmente.

MEMORIES (¿Y DÓNDE ESTÁ EL POLICÍA? 2 1/2)

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Un sicario ha sido enviado a matar a Jane Spencer (Priscila Presley). El criminal, que se ha tomado la molestia de ponerle sileciador a su arma, entra al baño mientras su víctima se está duchando. Mientras se prepara para cometer el asesinato, oye a Jane cantar Memories de Whitney Houston. El muy idiota termina emocionándose (bueno, es Memories, tampoco hay que ser insensibles) y se pone a cantar a viva voz. Sí, existen personas más estúpidas que Frank Drebin.

GIRL, YOU’LL BE A WOMAN SOON (PULP FICTION)

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Vincent Vega (John Travolta) es prácticamente obligado por su jefe, Marsellus Wallace, a salir con su mujer, Mia Jones-Wallace (Uma Thurman). Esto no tendría nada de malo si no fuera porque Marsellus es un mafioso que mandó matar a un tipo, arrojándolo de un edificio, por hacerle un masaje de pies a su flaca. Luego de la “cita”, Vincent se da cuenta de que la señora Wallace le ha “apuntado la placa”, y ensaya en el baño la manera de zafar de la situación. Ella no solo le ha echado el ojo a Vincent, sino “la nariz” a un polvo blanco que encontró en el abrigo de éste. Pero esa inocente jaladita la hará sufrir una sobredosis, porque el polvo era heroína y no cocaína. Tal vez hubieses preferido la escena del twist You never can tell, de Chuck Berry, pero elegimos ésta por ser crucial para la trama.

A THOUSAND MILES (¿Y DÓNDE ESTÁN LAS RUBIAS?)

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Marcus Copeland (Marlon Wayans) es un detective que debe suplantar a Tiffany Wilson, una joven millonaria y engreída, para resolver un caso. Su disfraz es “tan real” que Latrell Spencer (Terry Crew) se enamora de ella… perdón, de él. Obligado a salir en una cita con Latrell, Marcus pondrá este tema de Vanessa Carlton para intentar mostrarle que solo es una rubia tonta con gustos lights. Pero lejos de desilusionarse, Latrell le confesará que le encanta la canción, animándose incluso a cantarla como una quinceañera enamorada. No lo juzguen, la caracterización de Marcus es tan buena que podría engañar a la pareja de una conocida presentadora de televisión.

YOU MAKE MY DREAMS COME TRUE (500 DÍAS CON ELLA)

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Tom Hansen (Joseph Gordon-Levitt) no es muy diferente a ti o a mí: tiene los mismos problemas para pagar las cuentas que todos, dificultades para abordar a la chica de sus sueños y fácil odia los lunes como todo mortal. Entonces, te preguntarás, ¿Por qué se dibuja esa cara de felicidad en su rostro? Porque acaba de llegar a tercera base con Summer (Zooey Deschanel), la flaca que lo traía loco. Por eso imagina pajaritos y que el mundo danza con él. ¿Me vas a decir que no te ha pasado?

STUCK IN THE MIDDLE (RESERVOIR DOGS)

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¿Qué canción elegirías para torturar a una persona? Si has pensado en un nombre, deberías visitar a un siquiatra pero, si no has visto esta película, difícilmente tu elección será Stuck In The Middle de Stealers Wheel.  Mr. Blond (Michael Madsen), un sociópata sádico, va bailando al ritmo de este tema mientras decide dónde cortar a un policía que tiene secuestrado. Finalmente se decide por su oreja. ¡Olé, matador!

Seth MacFarlane ha hecho todo lo que ha querido en la pantalla chica y todas sus producciones han estado cargadas del ácido humor que lo caracteriza: desde sus primeros programas para niños como Zoomates y Larry & Steve (el fronterizo y el perro parlante intelectual, ¿no les resultan familiares?), hasta sus dibujos para adultos como Family Guy y American Dad… todos muy buenos (ok, algunos no tan buenos). Ahora, MacFarlane llega al cine con Ted, un osito Teddy  animado que es una mezcla de Stewie y Wilfred. acá puedes ver el trailer de esta película que se estrenó hace unos días en Estados Unidos.

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Y mientras esperas a que la estrenenen aquí, te pasamos unos cuantos videos que involucran muñecos.

Tell me something I don’t know (Herman Dune)

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¿Qué harías si encuentras a un yeti adolescente azul haciendo autostop? Jon Hamm decide darle un aventón y llevarlo al concierto de Herman Dune, autor de este tema. Nos disculpararás pero para ver a esta especie de hijo de Chewbacca con cianosis tendrás que ir al mismo youtube porque aquí no funca.

Deathbound (Mastodon)

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Sí, se trata de un (bizarro) programa infantil pero te recomendamos que apartes a tu sobrino de la computadora porque podrías traumarlo para siempre. Cuando el trencito Bells cruza el muro llega a un mundo donde los peluches portan armas, se golpean y explotan. Como si recrearan a la polícía poniendo “orden” en Cajamarca.

Hope you like The Smiths (We See Lights)

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Los escoceses de la banda de indie pop alternativo We See Lights utilizan rudimentarios títeres para contar una historia de amor. El video no se pulió en la producción pero el tema y la historia son buenos. Al menos están mejor que los muñecos de La Tiendita de Don Pepe.

Life in tecnicolor (Coldplay)

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La banda Coldplay encontró una buena manera de ganar nuevos fans: irrumpen en una fiesta infantil como marionetas para dar un concierto ante la sorprendida mirada de los padres. Para este fin, convierten el pequeño escenario de la función de títeres en uno con humo, pirotecnia y luces. el tema Life in tecnicolor fue nominado como Video con Mejor Dirección Artística y Mejores Efectos Visuales, en los UK Music Video Awards 2009. Además, tentó un Grammy en la categoría Mejor Video Musical de Formato Corto.

Keep fishin’ (Weezer)

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Los Weezer son invitados al Show de los Muppets pero segundos antes de tocar se dan cuenta de que Patrick Wilson, el baterista, no se encuentra por ningún lado. Éste ha sido secuestrado por Miss Piggy. Para salvar el show, deciden presentarse con El Animal en la batería. Cuando Wilson llega a escapar, se suma a la presentación, para finalizar a dos baterías. Este es el primer video en que los integrantes de la banda actúan.

The hell song (Sum 41)

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Los Sum 41 dan un concierto en el que aparecen Alice Cooper, Marilyn Manson, Korn, AC/DC, Spice Girls, los Osbourne, Metallica, Gene Simmons, Snoop Dogg y hasta Cristo. ¿Suena a un conciertazo, no? Ya no te emociones que solo son figuras de acción (algunas más misias que otras, como las de los integrantes que apenas son una fotografía pegada a un muñeco). Solo faltó la Britney calva rehabilitación.

BONUS TRACK

Para cerrar, dos covers de los Muppets:  el primero, la conocida pero no por eso menos divertida versión de Rapsodia bohemia.

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Y la de Stand by me.

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Si crees que el Gran Hermano es solamente un reality, te falta leer harto. El 8 de junio de 1949, el escritor británico George Orwell publicó su obra cumbre, 1984. En ella, graficaba una sociedad dictatorial, represiva, controlada al extremo por un ser omnipresente al que nadie había visto nunca en persona: el Gran Hermano. Desde su lanzamiento, se han llevado al cine distintas versiones, unas más fieles al libro que otras, pero todas con el mismo jalón de orejas a la opresión. Te contamos sobre estos films en la semana del 63 aniversario de esta novela.

1984 (1956)

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Correcto, aunque suene confuso, 1984 es de 1956. En la década de los cincuenta, el británico Michael Joseph Anderson fue el primero en llevar al cine esta novela (en 1954 había sido llevada a la televisión con el nombre de Nineteen eighty four, e interpretada por Peter Cushing). Los vestuarios (muy similares a los de los nazis) parecen hechos para una actuación escolar y algunos actores te harán pensar que el director es Ed Wood. No la salva ni el hecho de haber reclutado al ganador del Oscar Edmond O’Brien (no confundir con O’Brien, el oficial de la novela) para el papel de Winston Smith, el personaje principal. Aún así, si eres tan valiente o terco, puedes ver la película completa y subtitulada aquí.

EL DORMILÓN (1973)

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Si bien no se ciñe a la novela, la referencia es evidente. Miles Monroe se despierta en 1173, 200 años después de haber sido congelado por error tras una operación de amígdalas, y se encuentra con una sociedad futurista en la que pensar distinto está prohibido. La banda sonora de la película corre a cargo del propio Woody Allen y su grupo de jazz The New Orleans Funeral Ragtime Orchestra. Esta película está guiada por el absurdo, como La última noche de Boris Grushenko pero definitivamente no es la mejor comedia de Allen. Gracias a Youtube, puedes comprobarlo por ti mismo acá.

1984 (1984)

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Michael Redford dirige este peliculón realizado y lanzado el mismo año en el que la novela está ambientada. De hecho, Redford se dio el extravagente lujo de filmar algunas escenas el mismo día en que “sucedieron” según relata Winston Smith en su diario. El papel principal estuvo a cargo de John Vincent Hurt. La cinta ganó en el Evening Standard British Film Awards como “Mejor Película Británica del Año”. No la encontramos en español pero aquí la puedes ver subtitulada al portugués. Ya no llores, igual se entiende.

BRAZIL (1985)

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El director Terry Gilliam se basa en 1984 para crear una nueva historia.  Brazil es parte de su trilogía de la opresión de pensamiento -conformada también por Time Bandits (1981) y Las aventuras del Barón Munchausen (1989). Para esta película, Gilliam, como dijimos, se basó en la novela de Orwell, aunque, por una parte de la historia, pensamos que también en La Mosca. Archibald Buttle es capturado y torturado cuando el sistema computarizado del gobierno lo señala como un criminal. El error se debe a que una mosca cayó en éste y varió el apellido del presunto terrorista Archibald Tuttle por el suyo. Sam Lowry, un empleado del gobierno obsesionado con la mujer de sus sueños, se culpa por este error y cuestiona el sistema. La película, de un “futurismo vintage“, fue nominada a dos Oscar. Sí, también te jugamos el enlace.

Y ya se habla de una nueva versión a cargo de Brian Grazer y Ron Howard.

BONNUS TRACK

2+2=5 (Radiohead)

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Si has visto alguna de las películas, o leído la novela, entenderás el título del tema y comprenderás el video. Si no es así, la letra de este temón de Radiohead te puede ayudar.

Esta tragicomedia gótica inicia en el Liverpool de 1752, cuando la familia Collins parte hacia Estados Unidos, huyendo de una maldición. Pese al largo viaje transoceánico, la imprecación los acompañó hasta América y las consecuencias se verían 20 años después, cuando el hijo ya adulto de los Collins, Barnabas (Depp), es condenado por una bella bruja a vivir como vampiro. Aguanta que aún no arranca la peli, sino cuando este vampiro es liberado dos siglos después. Obvio, durante ese lapso cambiaron hasta las esquinas.

Una vez que Barnabas está de vuelta en Liverpool, descubre que su copiosa herencia está repartida entre los estrambóticos miembros de su actual y disfuncional familia. Cada uno guarda un secreto que devendrá en problema para bien de la trama. Sin embargo, los extraños sucesos no solo envuelven a la familia, también a la niñera y un tal Willie Loomis, interpretado por el extraordinario actor de reparto Jackie Earle Haley, a quien recuerdo con tenebroso afecto por sus lóbregos roles como pederasta en little children, como Rorschach en watchmen y como el loco George Noyce en la isla siniestra. Tremendo performer el feo este.

La bella Eva Green, la bruja en cuestión, asedia durante todo el filme al pálido Depp devenido en chupasangre en plena efervescencia disco.

Director: Tim Burton.
Guión: Seth Grahame-Smith, John August, Dan Curtis.
Género: Comedia gótica.
Reparto: Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Helena Bonham Carter, Eva Green, Jackie Earle Haley, Jonny Lee Miller, Bella Heathcote, Chloe Moretz, Gulliver McGrath.
Estreno: 21 junio.

Para su servidor, el primer estreno de interés en el año. De las últimas películas del perverso canadiense David Cronenberg, esta lectura personal del psicoanálisis, encarnado en Freud (Viggo Mortensen) y Carl Jung (Michael Fassbender), parecía la menos “estrenable”, sin embargo la tendremos junto a mamotretos como Todos los días de mi vida y Diario de un seductor que esperemos no le estorben. Les será fácil elegir.

Por su naturaleza teatral, esta adaptación cinematográfica de la obra A talking cure, de Christopher Hampton, también guionista de la película, tiene un apego a la palabra hablada que es inusual en el cine de Cronenberg, no obstante, sus principales guiños continúan vigentes. Y es que el autor de las recientes Una historia violenta y Promesas del Este suele utilizar la palabra, la conversación, para esconder la verdad, que se puede deducir de las acciones o gestos de los personajes que la esconden. Aparentes nimiedades que develan el misterio.

Cronenberg nos acostumbró a hombres-mosca, telépatas psicóticos, maridos que alternan una doble vida entre la familia y el sicariato… Por tanto, sorprende que ahora represente con aparente solemnidad los encuentros académicos entre dos notables del psicoanálisis. Eso, entre los seguidores amantes de su perversidad debe sonar a tomadura de pelo. Pero no todo lo perverso debe tener aureola negra; también lo es, seguro, la investigación de lo que significa ser humano, entender lo monstruoso de nuestra naturaleza depredadora desde un diván.

Los diálogos académicos entre los protagonistas pueden disipar la atención del más ocioso espectador, pero su fin no es ilustrativo sino evocador: que se hable de los sueños o del estado social de la Europa de preguerra nos induce tanto a la imaginación como a la historia. No hay más imágenes que mostrar que las almacenadas en nuestra memoria. Múltiples perspectivas sobre temas varios: la película es un debate con nosotros mismos. Sesiones de psicoanálisis al precio módico de un combo de cancha con gaseosa.

Título: Un método peligroso
Género: Drama
Director: David Cronenberg
Guión: Christopher Hampton y John Kerr (libro)
Reparto: Michael Fassbender, Keira Knightley y Viggo Mortensen
Estreno 19 abril

Si David Fincher –sí, el director de las geniales Seven, El club de la pelea, Zodiac y Red social–, se hubiese quedado con la impresión que se llevó al ver en persona por primera vez a Daniel Craig, jamás lo hubiese considerado para interpretar al mejor periodista de la ficción, el incorruptible Mikael Blomkvist. Ese encuentro ocurrió cuando Craig interpretaba a Rackham el Rojo en la película de Steven Spielberg Las aventuras de Tintin y, por las características especiales de la filmación, el colorado no se veía precisamente como James Bond.

“Estábamos filmando en mo-cap (captura de movimiento, o motion capture). Lo que era como… no me jodas, yo estaba literalmente en mallas con un jodido casco encima y una cámara pegada. Y era Steven Spielberg, así que todos los pendejos del mundo venían a visitarlo. Fincher vino a visitarlo. Clint Fucking Eastwood vino a visitarlo. Era como, ‘¿me estás jodiendo? ¿Voy a conocer a toda esa gente vestido así? ¿Interpretando a un pirata, usando un leotardo y una cámara? ¿En serio?’”, contó hace poco acerca de aquel bochornoso primer encuentro a la revista Esquire.

Pero felizmente Fincher se quedó con las interpretaciones de Craig en Layer cake e Infamous. Y el todavía agente 007 (actualmente en el rodaje de la película número 23 sobre el espía con licencia para matar que no pertenece al Grupo Colina) no podría estar más feliz con la decisión: “Lo que más me impactó fue cuando el primer libro empezó a ocupar los primeros lugares en las listas de best sellers, pues caminabas por los aeropuertos y veías a una gran variedad de lectores, era sorprendente, desde chicas adolescentes hasta hombres y mujeres de 80 años. Estos libros tienen un atractivo masivo que me era inexplicable hasta que los leí, entonces lo entendí. Gran parte de esto se debe a Lisbeth Salander y la complejidad de su personaje. Ella simplemente es una grandiosa heroína”.

¿Por qué crees que el personaje de Lisbeth Salander es tan atractivo?
Creo que una de las principales razones es que ella es una víctima y sufrió vivencias sumamente difíciles. La vida le repartió un juego de cartas terrible, pero es inteligente y brillante, así que la forma en que decidió lidiar con el mundo es ocultarse de éste. Pero también se las arregla para poder vivir. Creo que esto tiene un eco. Es solo mi opinión, pero creo que hay un secreto deseo dentro de todos nosotros para hacer el bien, hacer lo correcto. Ella es moralmente cuestionable, pero en realidad sabe lo que está bien y lo que está mal.

¿Y qué hace atractivo al periodista Mikael Blomqvist?
Es un idealista que busca la justicia dentro del sistema capitalista y al comenzar el libro acaba de ser castrado, metafóricamente. Lo que encuentro fascinante es su ego. Este ego provocó que llegara a este estado maltrecho porque pensó que era invencible y pagó el precio por eso, algo que descubres en la historia.

Rooney Mara tuvo un intenso entrenamiento para su papel en la película, pero tú… bueno, interpretas a un periodista…
Tengo amigos que son periodistas, reporteros extranjeros, o corresponsales de finanzas. Los he conocido durante toda mi vida adulta. Con respecto a mi personaje, me agrada pensar que tiene un poco de Jeremy Paxman (periodista de la BBC) en su interior, pues se dirige a su objetivo y es parecido a un terrier en su forma de investigar a las personas y tratar de encontrar la verdad y la justicia. Al comenzar esta película, hacía poco que había terminado de filmar Cowboys y aliens y estaba tan delgado como cuando tenía 16 años, así que David me daba literalmente platones de pasta para engordarme. Él opinaba que¡no me veía como un periodista! (risas).

UNA HISTORIA MUY, MUY OSCURA

Otra de las cosas que atrajo a Craig del guión, es que se trataba, por fin, de una película hecha exclusivamente para adultos. “Es tan adulta como puede hacerse. Es un drama adulto. Yo crecí, como todos lo hemos hecho, viendo El Padrino y películas que fueron hechas para adultos. Y estas es una película de $100 millones con categoría R (restringida a público adulto). Nadie hace ese tipo de películas ahora. Y Fincher no se queda atrás. Los productores le dieron total libertad. Él me mostró algunas escenas mientras editaba, y yo tenía la mano cubriéndome la boca, en un gesto de: ‘¿Estás jodiéndome?’”.

¿Qué tal el clima durante la filmación en Suecia?

El clima era aceptable, aunque debe haber sido terrible para Rooney. La pobre chica bajó de peso, trabajaba demasiado cada día y estaba a dieta. Su aspecto era desamparado, pues su personaje lo requería, así que no tenía ni una capa de grasa para mantenerla caliente. Sus jeans tenían muchas roturas y su vestuario era bastante delgado. Creo que realmente sufrió. Yo tenía una capa de grasa y ropa térmica, así que estaba cómodo.

¿Qué tan intensa fue esta filmación comparada con una película de James Bond?

Soy afortunado de haber interpretado a Bond, pues filmas sin parar durante seis meses y básicamente es difícil hacer dichas películas, pero esto fue intenso de otra manera. Fue un gran trabajo de actuación. Es lo que hago para vivir. Es un trabajo muy duro, pero verdaderamente satisfactorio, en especial por trabajar con personas como Rooney y David y todos los demás. La película tuvo un elenco maravilloso. Trabajé casi un año en esta película y todo lo que importa es que el resultado sea bueno. Eso es todo.