Ellos hacen indie rock pandillero, pop apocalíptico, kraut campestre y punk espacial. Al menos así definen su música. De un tiempo a otro, El Mató a un Policía Motorizado se ha convertido en la banda revelación de Argentina. Y la que tiene el nombre más enigmático de todos, algo que replican sus integrantes Santiago Motorizado, Doctora Muerte, Pantro Puto, Niño Elefante y Chatrán Chatrán. Acaban de lanzar su segundo disco de larga duración, Dinastía Scorpio, y ya se pasearon por el festival Vive Latino, el South by Southwest (SXSW) y varias ciudades de Europa. Así que agárrense chicas del escuadrón Fénix.

“Ahora somos nuevos creadores de rocanrol. Tranquilos, todo va a estar más o menos bien”, canta Santiago Motorizado, líder y principal compositor de El Mató, como prefiere renombrar a su banda para no perder tanto tiempo. Y es que en Argentina no para de dar entrevistas. El grupo que lidera se ha convertido en el nuevo abanderado de la escena independiente de su país, con una propuesta sonora que rinde tributo a lo mejor del indie rock y noise noventero. Aunque él deteste las etiquetas en la música.

¿Es por eso que se inventaron todos esos géneros musicales?
No creo que las etiquetas funcionen para ningún artista. Te encierran y te obligan a corresponderlas. Entiendo que a la hora de comentarle a alguien qué tipo de arte estás haciendo, siempre es difícil describirlo de manera breve y concisa. Lo mejor siempre será que cada uno escuche nuestra música y saque sus propias conclusiones. Preferimos inventar nuestros propios géneros musicales para esquivar todo ese rollo. Así que somos representantes del indie rock pandillero, del pop apocalíptico, del kraut campestre y del punk espacial (risas).

Son buenos inventándose nombres. Algo que trasladaron al bautizar la banda…
Sucede que Manu, uno de los guitarristas, quería que el nombre, por sobre todas las cosas, sea uno extraño y que no parezca el de una banda. Así que empezó a buscar frases en algunas de esas películas chatarra de Hollywood. En una de ellas vimos un subtítulo que decía la frase “él mató a un policía motorizado”… y nos quedamos encantados. En nuestra ciudad no había entonces policía motorizada, lo que lo hacía más divertido.

¿Ustedes son de la ciudad de La Plata, verdad?
Sí, es una ciudad muy pequeña y cercana a Buenos Aires. Ahí vivimos y nos conocimos todos en el colegio secundario. Fue en esa época en que nos juntamos todos. La música nos unió, porque compartíamos el favoritismo por las mismas bandas. Además, aquí en La Plata todos se conocen y se vive una vida de provincia, a pesar de estar tan cerca de la capital.

Hasta que decidieron hacer su propia música. ¿Cómo es el proceso de creación de sus canciones?
Yo me encargo de hacerlas en primera instancia. O sea, la melodía principal y la letra. Después todos juntos en el estudio le damos forma, le ponemos los ritmos, las pautas y los arreglos correspondientes. A veces, cuando tenemos más tiempo, nos juntamos y entre todos empezamos a crear cosas.

En el sonido de la banda identifico el de Yo la Tengo, Pixies, Sonic Youth… ¿son acaso sus influencias directas?
Es gracioso que me lo digas, porque son las bandas que me volvieron loco de chico y las que fueron motor de todo esto. Antes de hacer El Mató, sentíamos que debíamos continuar ese sonido que tanto nos gustaba… hacer una versión más cercana. Me acuerdo que por esos años me prestaron un cassette compilatorio del sello Matador (discográfica emblemática del indie rock) y me volvió loco todo ese espíritu, más allá de las canciones. Queríamos hacerlo realidad en Argentina.

¿ADIÓS, ANONIMATO?

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En el 2004, la banda lanzó su álbum debut homónimo y empezó a llamar la atención de la prensa especializada. A Santiago lo acompañaron Niño Elefante y Pantro Puto en las guitarras, Chatrán Chatrán en los teclados y Doctora Muerte en la batería. Todos seudónimos de una agrupación que solo aspiraba a sacar un disco de manera profesional. Así es como durante toda la década pasada se convirtieron en una de las bandas más prolíficas de Argentina. Lanzaron EP tras EP e incluso una trilogía conceptual compuesta por Navidad de reserva (2005), Un millón de euros (2006) y Día de los muertos (2008), que los catapultó como uno de los referentes del indie gaucho. Sí… siempre de manera independiente, porque hasta su propio sello discográfico tienen.

¿Qué tan difícil les resultó ser una banda nueva?
Bastante. Fue difícil porque económicamente el país salía de una crisis importante en el 2004. También sucedió la tragedia de la discoteca Cromañón y ese fue un golpe terrible para todo el ambiente del rock. No había dónde tocar. Todo estaba en contra. Pero creo que nos ayudó el hecho de que nunca tuvimos aspiraciones muy altas. Nuestra meta era simplemente sacar un disco, editarlo y hacerlo de manera profesional. Y sucedió gracias a la UMI (Unión de Músicos Independientes de Argentina), porque empezamos todo de cero. La respuesta de la gente fue muy grata porque entendían que era un sonido nuevo en el país. Teníamos una audiencia pequeña pero que ha ido creciendo con el tiempo.

Algo particular de ustedes es el uso constante del formato EP…
Creo que usarlo nace del fanatismo propio de bandas como Sonic Youth o Yo La Tengo, que también son amigas de este formato. Te permite, dependiendo de la idea que tienes, hacer discos con una temática muy puntual, con una línea muy específica.

Y en ese formato nace la trilogía que los convirtió en referentes del nuevo sonido argentino…
Los tres discos forman una gran obra de tres etapas. El primero es un disco navideño que está emparentado con el nacimiento. Se me ocurrió hacerlo tras escuchar algunos discos navideños de los Beach Boys. Decidí mezclar eso con una estética más regional y trasladarlo a una realidad más propia. El segundo hace referencia a la vida. El tercero se hizo cuando estaba en boga todo el tema del fin del mundo. La idea era agrupar las canciones de forma temática… y fue divertido hacerlo.

La paradoja que encuentro en la trilogía es que para ustedes la vida es “un millón de euros”…
Sí (risas)… hicimos un juego de palabras. Los euros son los nuevos dólares, pues. Y el ser millonario materialmente no implica serlo espiritualmente, ni mucho menos artísticamente. Es una ironía y a la vez una contradicción.

NUEVOS DISCOS, NUEVAS DROGAS

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Con todo ese background encima, lanzan Dinastía Scorpio.  Para variar, otro nombre enigmático.
No teníamos un nombre puntual para este último disco. En un momento queríamos ponerle El magnetismo, porque el álbum arranca con esa canción. Sabíamos que queríamos jugar con un concepto que no quede muy claro, con un halo de misterio. A partir de esa idea, se me ocurrió pintar para la portada del disco la escena de una premiación muy bizarra. Mira… seguramente plasmaremos en una historieta o en algún texto el verdadero significado de la Dinastía Scorpio. Cuando lo encontremos (risas).

¿Qué tan difícil fue lanzar un disco de larga duración después de ocho años?
Lo que pasa es que nosotros tomamos la salida de los EP como discos de larga duración y la gente también lo entendió así. Siempre tuvimos la idea de lanzar un nuevo disco grande, pero todo se retrasó por los viajes a Europa. Grabamos recién las maquetas a fines de 2010 y empezamos a darle forma a las canciones en plenas grabaciones del 2011. La idea era que salga a mediados del 2012, pero se complicó también. Igual, aquí estamos.

Como dice una de sus nuevas canciones: “nuevos discos, nuevas drogas”. ¿Están pensando ya en el futuro?
Puede ser, pero hemos demorado ocho años para sacar un disco largo como para no promocionarlo como se debe. Estamos pensando en hacer videos y aclarar el concepto de Dinastía Scorpio. Eso sí, queremos volver al formato EP para jugar un poco con una faceta más experimental. Todo eso siempre y cuando no nos detenga ningún policía motorizado en el camino.

Escucha su más reciente disco, Dinastía Scorpio, aquí:

Tampoco es que necesiten mucha presentación pero para que te hagas una idea, han sido siete veces nominados a los Grammy. Son poseedores de cuatro premios de NME: Mejor Banda Internacional en 2005, 2008 y 2009 y Mejor Video por Bones en 2006. Ese mismo año también ganaron el premio Brit a la Mejor Banda Internacional y Mejor Álbum Internacional con Sam’s town. Para su segunda presentación en Lima, además de arribar con sus clásicos temas Mr. Brightside, Read my mind, Human y Tranquilize, traerán las canciones de su nuevo disco, Battle born, que ya ha estado en boca de críticos y fans. Cuando salen al escenario, ellos son más que cuatro cantantes: se convierten en cuatro asesinos a sangre fría, dispuestos a quitarte la respiración con su espectáculo. Este 4 de abril, pisarán por segunda vez suelo peruano para cometer una masacre en el Estadio Nacional. Ya lo hicieron una vez, y ahora van por más: vienen por nosotros, según nos dijo el mismo Brandon. Por si acaso, lleva chaleco antibalas.

Eran Inicios del 2001. Apenas había transcurrido un año desde el inicio del nuevo siglo. El mundo no se había acabado y un tal Brandon Flowers se había negado a mudarse a los Ángeles, California con su banda, Blush Response. En vez de eso, prefirió quedarse en su natal Nevada a ver qué le deparaba el destino. Aunque los miembros de su grupo se fueron igual, sus ganas de querer ser músico nunca lo abandonaron. En el 2002, cuando trabajaba como botones del hotel Gold Coast, encontró un aviso en el periódico en el que buscaban a alguien para formar una banda con influencias de Oasis, The Cure, U2, The Beatles y Smashing Pumpkins. Poco después, el autor del aviso, Dave Keuning y el propio Brandon ya se encontraban escribiendo canciones juntos. “No sabíamos cómo íbamos a sonar, solo que teníamos un montón de bandas favoritas en común”, señaló en alguna oportunidad Dave Keuning, ahora guitarrista de The Killers.

Dos años después, en el 2004, Mr. Brightside, una de las primeras canciones compuestas por el dúo, se convirtió en un hit, ayudando a la banda a hacerse conocida y a promocionar su primer disco. Para ese entonces la alineación ya era definitiva: Flowers como cantante y tecladista, Keuning como guitarrista,  Mark Stoermer, como bajista y Ronnie Vannucci Jr. en la batería.

Hoy, casi diez años después de ese primer nostálgico lanzamiento de uno de los estandartes de la banda, regresan ya con cuatro álbumes de estudio para presentar el disco que más tiempo les ha tomado preparar, el que más productores ha involucrado y también, el que mayores comentarios ha generado, debido a la breve separación que se tomaron antes de prepararlo. A continuación, Brandon nos habla de la agrupación, de su música y de su próximo concierto por estos lares.

En su primer disco, Hot fuss, Somebody told me ganó mucha atención por la originalidad. ¿Crees que el estilo de la banda está representado en esa canción?
Salimos mucho a clubes, escuchar esta música nos permite luego hacer bailar a todo el mundo. Creo que ese es el estilo de la canción, es acerca de salir a night clubs y conocer a alguien. En una ocasión, salí una noche y traté de resumir eso en una canción.

Después de su separación de aproximadamente un año y medio, cada integrante de la banda tomó diferentes caminos y empezaron a trabajar en sus propios proyectos. Durante ese periodo, ¿Recogiste nuevos sonidos o influencias para lo que sería este nuevo disco?
Creo que ahora soy un mejor cantante. Los sonidos en mi disco solista fueron hechos con mayor registro vocal, para lo que tuve que tomar clases. Luego, llevé ese disco de gira, lo que ha mejorado mucho mis presentaciones. Fue toda una nueva experiencia, así que creo que lentamente fui mejorando y eso fue como ir un paso más allá.

Luego se tomaron otro año para preparar este álbum. Sin embargo, ha habido algunos críticos que han dicho que solo están siguiendo la fórmula más simple para tener éxito. ¿Qué le dirías a esas personas?
Bueno, no ha sido tan exitoso en realidad. Y no hemos hecho nada diferente a los otros discos que hemos hecho antes. Estuvimos en un estudio, traté de encontrar los mejores sonidos para hacer el mejor disco posible. Grabamos canciones que nos gustaron tocar, así que no veo gran diferencia en la forma de cómo hicimos el último disco.

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A pesar de que el nombre de esta nueva producción: Battle born (Nacido para la batalla) viene del eslogan de Nevada. ¿Crees que este nombre también representa el espíritu del grupo?
Sí, yo creo que sí. Ninguno de nosotros viene de familias ricas. Nadie esperaba este tipo de éxito de mí, ni mi familia. Además, son tiempos difíciles para ser exitosos sin llegar a ser idiotas.

Una de las cosas más interesantes de este álbum es que trae la primera auténtica balada de su discografía,  Here with me (arriba), y el video, además, ha dado mucho de qué hablar, con la dirección de Tim Burton y la participación de Wynona Ryder. ¿Estás contento con los resultados de esta ambiciosa canción?  Y digo ambiciosa porque no es precisamente su estilo.
Amo el video y la canción, también. Es genial cuando alguien como él (Tim Burton) dice que sí. Y sí, creo que hicieron un fantástico trabajo en el video. Ahora la gente se la puede descargar de iTunes. No sé cómo la canción tocará a la gente, no sé cómo la recibirán, si les gustará. Ahora que comenzamos el tour ya lo averiguaremos.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con cinco productores distintos? Supongo que es difícil mantener el panorama general con tantas personas involucradas trabajando en un mismo disco…
La identidad de la banda es importante. No importa cuál productor utilicemos, reflejaremos un sonido, el de un disco. Aprendí de cada productor y utilicé esos conocimientos al momento del mixing. Es importante no creer que uno no tiene nada que aprender. Esta gente ha estado en esta industria por más tiempo y su experiencia siempre es enriquecedora.

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Algunos grupos creen que mientras más difícil de entender es la canción, son mejores. Disfrutan haciendo canciones misteriosas que pueden ser interpretadas de muchas maneras. En  Runaways se nota que claramente conservan su tradición por contar historias personales. ¿Realmente disfrutan más haciendo esto?
Sí, aunque es difícil contar una historia en cuatro minutos. Hay mucha gente que puede considerarlas vagas o crípticas, sucede a menudo. Pero si quieres contar una historia debes comprometerte. Estoy orgulloso de Runaways, hay mucha emoción en esos cuatro minutos y tres segundos.

Ustedes son una de las grandes bandas de los dosmil, tienen un reconocimiento importante en la escena internacional y han ganado muchos premios, pero nunca un Grammy. ¿No les da un poco de cólera? ¿Cómo se sienten con eso?
(Risas). Molesta. No es algo que me quite el sueño pero es frustrante, tampoco hemos estado en la portada de la versión estadounidense de la Rolling Stone. Pocas bandas en Estados Unidos han vendido más de veinte millones de discos, tal vez una o dos. Probablemente es algo que afecta más a nuestros seguidores.

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Ustedes disfrutan su fama, pero también han sido felicitados por su trabajo en Product Red ¿Están muy comprometidos con las causas sociales?
Siempre hemos buscado formas de retribuir lo bueno que nos pasa, una de las primeras fueron las canciones de Navidad que hacemos cada año con Product Red. Es genial poder ayudar a gente en África, por ejemplo.

¿Qué esperan del público en un concierto? ¿Cómo tiene que ser un show para que sea extraordinario?
Me gusta cantar a tono con el público. El show que brindamos se genera según la forma en que el público lo haga. Siempre esperamos lo mejor, una gran reacción del público.

¿Qué recuerdas de ese primer concierto aquí en el 2009? En esa ocasión congregaron a cerca de 30 mil almas, uno de los grandes conciertos aquí.
Parecía que fuésemos los Beatles o algo así. Los fans fueron fantásticos. Fue un killer show, uno de los mejores conciertos que hemos tenido en toda nuestra carrera. Lo recuerdo y espero hacerlo de nuevo, a diferencia de otros lugares en los que hemos tocado, todo fue muy enérgico.

¿Qué le dirías a tus fans de Perú que están esperando ansiosos el concierto?
Bueno, estamos muy agradecidos de que gente que está tan lejos de donde somos y que incluso habla otro idioma entiende nuestra música y estoy agradecido por ello. Prometo darles el 125% en este concierto.

Olvídate de los chamanes, amarres y puzangas. Recurrir a la ropa interior ajena para atraer al ser amado será cosa del pasado. La ciencia ha descubierto lo que ya había advertido Jacques Ferrand en el siglo XVI: que el amor es una enfermedad, y como tal no solo es factible de ser curada, sino que, he aquí lo más sorprendente, puede ser inoculada, es decir, provocada con premeditación y alevosía. Lee atentamente este artículo y prepárate para decirle chau a las sesiones con la bruja, pues una pastilla o una inyección en la nalga solucionarán todos tus problemas emotivos.

“Reconozcamos en el enamoramiento (…) un estado inferior del espíritu, una especie de imbecilidad transitoria”
Ortega y Gasset

¿Acaso existen sonetos dedicados al proceso de oxidación de los metales? (Ok, sí existen, pero ese no es el punto). ¿Imaginan a Neruda dedicándole 20 poemas (y una canción desesperada) a la síntesis de proteínas? (Ojo, dije Neruda). Pero la ciencia nos viene a decir hoy que todos los versos dedicados al amor (“Todo lo que sabemos del amor, es que el amor es todo lo que hay” decía Emily Dickinson), habrían sido tan absurdos como las plegarias dirigidas antiguamente al rayo o la creencia de que existen los mercados perfectos en la economía.

Unos simples ratones de campo vinieron a aguarle la fiesta a los bardos. El neurocientífico Larry Young llevó a cabo una investigación (publicada en la revista Nature) sobre los hábitos sexuales de los ratones campestres, una de las pocas especies de mamíferos que, junto con algunos humanos y otros animales raros, son monógamos. Para hacerla corta, Young se puso a jugar con los cerebros de los roedores y lo que encontró es resumido por John Tierney en el New York Times:

“Cuando al cerebro del ratón campestre hembra se le inocula artificialmente oxytocina, una hormona que produce la misma recompensa para los nervios que la nicotina y la cocaína, ésta rápidamente se sentirá atraída y conectada al macho más cercano. Una hormona similar, la arginina vasopresina, crea impulsos para aparejarse y anidar cuando es inyectada en ratones campestres masculinos”.

Por el contrario, si la liberación natural de estas hormonas es bloqueada, los ratones campestres se vuelven más libertinos, no forman parejas y cambian de novio/novia como Lucía de la Cruz o Charlie Sheen. Viven la vida loca.

Pero existe un primo cercano del ratón campestre, el ratón de montaña, que es promiscuo por naturaleza. Si a este ratón le inyectan las mismas hormonas que provocan el “enamoramiento” en sus primos de las praderas, continúa como si nada, rehuyendo el compromiso y la vida familiar, cual Julio Iglesia ratonil. “¿What the fuck?”, se preguntó Young, cogió un cuchillo y le abrió la cabeza (más o menos). Y encontró que los pendencieros ratones de montaña no tienen receptores de oxytocina ni arginina en sus masas grises. Están incapacitados para enamorarse.

En 1999, Young siguió jugando al científico loco junto con otro doctor, Thomas Insel, y ambos implantaron los genes receptores del romántico ratón de campo en ratones comunes y corrientes (y por lo tanto promiscuos). El resultado fue que dichos ratones se “curaron” de su promiscuidad, o en términos más amables, se “enamoraron”. Que los vates se corten las venas frente a la realidad: el amor y el desamor se pueden suministrar con la misma facilidad con la que se provoca un dolor de cabeza o se alivia un cólico.

Pociones

Pasar de eso a intentar desarrollar un “estimulante del amor” para humanos era solo cuestión de tiempo. El Dr. Young logró resultados similares a los conseguidos en ratones al lanzar un chorro de oxytocina en las ventanas nasales de personas. Claro que él no buscaba exactamente desarrollar una poción amorosa, sino que analizaba la influencia de la oxytocina en personas con autismo y esquizofrenia. Estos sujetos mejoraron sus sentimientos de confianza y empatía luego de la aplicación de la droga, algo sorprendente en este tipo de padecimientos.

Que en algún momento muy cercano será posible provocar el “amor” con una simple inyección (o en casos más severos, con una intervención quirúrgica), no quedan dudas. Las parejas de esposos aburridos harán cola, pero antes se tendrán que vencer algunas barreras morales y culturales, y sobre todo, tomar precauciones (¿los médicos resistirán la tentación de hacer caer en el amor a sus pacientes? ¿Será ético suministrar subrepticiamente la poción a una vecina que te mueve el piso? ¿Alguien recuerda los aprietos de “Sueño de una noche de verano”?).

La vacuna

Que el amor es un estado peligroso pueden decirlo el pobre César Gutiérrez, cuestionado luego de conocerse su romance con Lily Le Masters, o Raúl Diez Canseco quien perdió la vicepresidencia de la República por un amor descontrolado. Así que más urgente será para muchos el antídoto o vacuna contra ese padecimiento. La buena noticia es que el remedio ya existe y está disponible.

En un artículo publicado en la revista The Economist (The Science of Love), se señala que, dado que los síntomas del enamoramiento son casi exactamente iguales a los del Trastorno Obsesivo Compulsivo (TOC), los tratamientos podrían ser similares.

“Los padres de cualquier adolescente enloquecido de amor, podrían querer conocer la respuesta a esa duda. La Dra. Helen Fisher sugiere que ciertamente, es posible inhibir los sentimientos del amor romántico, pero solo en sus etapas tempranas. El TOC se caracteriza por bajos niveles de serotonina, y drogas como el Prozac trabajan manteniendo la serotonina dando vueltas en el cerebro por más tiempo de lo normal, así que podrían prevenir los sentimientos románticos. (Esto significa también que las personas que toman antidepresivos pueden estar poniendo en riesgo su habilidad para enamorarse)”.

La Dra. Fisher recomienda el Prozac además como cura para la infidelidad. Frente a la tentación de sacar los pies del plato, la droga que se popularizó en los 80 evitará, de acuerdo con la doctora, llevarse a la cama a cualquier intruso o intrusa. La santidad del matrimonio quedaría incólume aunque uno se encuentre en medio de una fiesta en la Mansión Playboy.

Colofón

¿Por qué la naturaleza nos mete a tremendo problemón, casi empujándonos a la adicción? Porque en general, las especies vivas son brutas. Si un animal cualquiera no recibiese suficientes incentivos para comer, beber o incluso amar, nos la pasaríamos dando vueltas cojudamente hasta morirnos de hambre, sed y obviamente sin reproducirnos. Así que el hipotálamo es el gran chantajista que ayuda a que nos mantengamos vivos y permanezcamos sobre este planeta. Sin el cóctel de drogas que nos provee el hipotálamo para obligarnos a alimentarnos, satisfacer nuestra sed y aparearnos, no existiríamos. Cual dealer de noche barranquina, nos seduce con dosis de dopamina, y cual junkies repetimos el ritual de comer, beber y amar solo para sentir otra vez placer.

El enamoramiento ocurre porque la naturaleza sabe que, si el macho humano no se enamora de su pareja preñada, lo más probable es que apenas ésta se ponga barrigona, el macho la abandone y se vaya a buscar otros lugares por donde esparcir sus genes. La hembra humana se enamora porque de lo contrario no podría vencer la barrera de la desconfianza e irse a la cama con el sujeto de turno.

El amor, tiene razones evolutivas, no es más que selección natural, naturaleza salvaje. Y sí pues, tenían razón esos genios de Bloodhound Gang cuando, a mediados de los 90 cantaban: “You and me baby ain’t nothing but mammals, So let’s do it like they do on the Discover Channel…”

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El fracaso del concierto de la diva del pop, Lady Gaga, dueña indiscutible de las preferencias de los programadores radiales, versus el éxito de las agrupación coreanas Big Bang y JYJ, cuya difusión musical se realizó enteramente por redes sociales, replanteó una idea que todos creían irrebatible. Así que en el Día Mundial de la Radio nos planteamos la siguiente pregunta: ¿qué tan trascendentes son para la música las radioemisoras en el Perú?

Hacia mediados de agosto del año pasado se confirmaba la noticia: Lady Gaga, la excéntrica intérprete que se encuentra en el apogeo de su carrera y es considerada por muchos como la nueva diva del pop, visitaría Lima en un único concierto que debía realizarse en el Estadio Nacional en el mes de noviembre, como parte de su gira mundial The born this way ball. Que el evento haya tenido que ser trasladado al Estadio de San Marcos, debido a que la plaza le fue ganada por la Fania All Stars, no despertó las suspicacias de nadie.

Y es que durante los últimos dos años Lady Gaga obtuvo premios Grammy, MTV, nominaciones por doquier, videos con millones de vistas en YouTube, y una cuenta de Twitter con más de 30 millones de seguidores. La puta reina del pop. Es decir, la artista más grande de la industria musical. Los empresarios que decidieron traerla al Perú no dudaron ni por un segundo en alquilar un recinto para 52,000 espectadores. Y es que la cosa era para entusiasmarse: Gaga sería una de las pocas artistas vigentes que pisaría nuestra tierra aún en el pico de su carrera musical. Además, la excéntrica intérprete había posicionado sus sencillos Bad romance, Telephone, Judas y cada canción que lanzaba se ubicaba de inmediato en los primeros lugares de las radios juveniles (Planeta, Studio 92, Okey, Moda) de nuestra capital, lo que parecía anticipar un rotundo récord de ventas y a San Marcos como el lugar idóneo para un concierto de esa envergadura.

Teniendo en cuenta que en enero del 2010 Metallica reventó el mismo recinto con más de 50,000 asistentes, a pesar de que el pico más alto de la banda se había dado casi dos décadas atrás, la lógica se asomaba como sencilla: Lady Gaga, el fenómeno actual de la industria fonográfica, podría necesitar incluso dos fechas. Así lo dejó entrever a finales de octubre (un mes antes del evento) una representante de la empresa Live Nation que traería a la artista, quien afirmaba que “las ventas van súper bien, mucho más que bien”. Era el optimismo anticipado de un show que se vendía como el “de mejor puesta en escena del mundo”.

La cochina realidad, a pocos días del evento, no estaba dentro de los cálculos. #IdeasParaQueLadyGagaLleneElEstadio era el hashtag de Twitter con el que la gente se burlaba por el escaso entusiasmo ante la llegada de la artista, reflejado en la poca venta de entradas y el malbarateo de las mismas. El día del concierto San Marcos se vio vacío como nunca. Apenas se vendieron poco más de 19,500 tickets. Algunos de la zona Tribuna Norte, que en un principio costaban 155 soles, terminaron rematados a 2 por S/.15. Un desastre en términos de inversión económica.

COREANDO EN COREANO

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¿Viste el video? Éste fue el otro lado de la moneda. Es cierto que algo está sucediendo en Corea del Sur. Y no solo nos referimos al recontra-mega-archi fenómeno del Gangnam style de PSY. Es el momento del K-Pop, esta especie de “boy band revival” oriental que también está conquistando diversas regiones del mundo occidental. Particularmente el Perú, región que esos muchachos de ojos rasgados no deben ni ubicar en el mapa, pero que tuvieron que visitar el año pasado ante la demanda de las fans. Sobre todo las de dos de sus más ilustres embajadores en el género: Big Bang y JYJ.

“Big Bang Fans Perú”, un club de fans virtual de la banda coreana, cuenta con más de 16.500 seguidores, en su mayoría chicas entre los 12 y 25 años de edad. “Yo empecé con la onda asiática en el 2008, con las telenovelas coreanas. En esa época no habían tantos fans como ahora y me sentía rara porque en el colegio todas escuchaban a los Jonas Brothers o Miley Cyrus”, explica Sandra Álvarez, administradora del club de fans peruano de Big Bang. “Los escuche en el 2011 a raíz de que ganaron un premio en los MTV Europe Music Awards. Tenían un ritmo diferente al que yo solía escuchar y por eso me llamaron la atención, algo que jamás había escuchado en la radio”.

A tres días del concierto de Big Bang, decenas de adolescentes ya se apostaban a las afueras del Jockey Club para asegurarse un buen lugar. El mismo día del evento las colas eran gigantescas, a pesar de que la entrada más barata costaba casi 150 soles y la más cara S/.785. Todas, sí, leíste bien: T-O-D-A-S las localidades se agotaron y más de 8,000 personas saltaron y corearon letras en un idioma que ni conocían (bueno, lo mismo pasa con las canciones en inglés así que no te sorprendas). “Lo mejor de la visita de la banda fue que el fandom (conjunto de fans) se hizo más grande y mucha gente puede ahora escuchar bandas diferentes a las que suele estar acostumbrada por los medios”, apunta Sandra con el pecho henchido de orgullo (“¡Yo los descubrí!”).

NO: ¡YO LO DESCUBRÍ!

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En todo este ajedrez musical el empresario es quien desempeña el rol más arriesgado. Sobre todo en un país con gustos tan cambiantes como el nuestro. Según indica Alejandro González, representante de Kandavu+W2 (empresa responsable de traer a Big Bang, Maroon 5, Joe Cocker, entre otros), lo primero que hacen para considerar la posibilidad de negociar con un artista es analizar la coyuntura en el Perú y en el mundo. Es decir: si el artista pasa por un buen momento y tiene difusión radial a nivel mundial, en teoría debería funcionar muy bien aquí. Eso sirve como una referencia que se complementa con la realización de varios focus group para medir la potencial venta de tickets y su costeo.

Aquí aparece una posible contradicción: una artista como Lady Gaga, con un buen momento a nivel mundial y envidable difusión radial… no funcionó. Entonces, ¿es la radio tan importante? “En el Perú es relativo. La radio es fundamental en la vida de cualquier artista, pero hay algunos que son atípicos. Ese es el caso de Big Bang, ya que ellos no tenían ni una sola canción en nuestras radios y toda su difusión se dio a través de las redes sociales… y el concierto fue un éxito total”, explica González.

Y es que Kandavu+2W está aplicando una estrategia diferente. Recientemente la productora ha comprado Radio Miraflores (96.1 FM) y la ha convertido en Radio Kandavu, donde de ahora en adelante promocionarán a los artistas antes de traerlos. Un nuevo termómetro de cómo fluctúan los gustos musicales de los peruanos. “En nuestra radio está sonando mucho la música coreana porque sabemos que hay un grupo muy importante que consume su música”, explica. “En algunos casos las redes sociales han empezado a reemplazar a la radio. Un artista no se promociona de la noche a la mañana, sobre todo si es nuevo. Debe tener un tiempo haciéndolo. Si es un artista consagrado, podrías promocionarlo tres meses antes de traerlo. Un artista nuevo, requiere por lo menos de nueve meses”.

Ahora, ¿Lady Gaga no vendría a ser un artista nuevo pero casi consagrado? González ensaya una explicación para el fracaso de ese megaevento: “Creo que los empresarios chilenos conocen el negocio, pero no la realidad peruana. Pretendieron hacer como en Chile o Argentina, donde las zonas más baratas están en el campo. El peruano está acostumbrado a pagar más por estar más cerca del artista y del escenario. En el concierto de Lady Gaga las tribunas tenían las entradas más caras, en un lugar no idóneo para el artista y con una configuración totalmente errada para el negocio”.

SÚBELE A LA RADIO

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El caso del dúo estadounidense Capital Cities es un fenómeno particular. En el 2011 llegaron por primera vez a nuestro país sin siquiera haber lanzado un disco entero (sí: apenas tenían uno que otro EP) y con difusión en un solo medio radial: Doble Nueve. Esa radio les brindó un espacio privilegiado dentro de los rankings y en la programación en general, lo que generó que el público cautivo de esta emisora se fidelice con la banda y un empresario se arriesgue a traerlos. Fue un éxito total aquel concierto. Tanto que nos visitaron por segunda vez en el 2012 lo que significó también otro éxito.

“El programador debe tener buen oído para identificar una canción y un sonido que pueda pegar… y que luego un empresario se arriesgue a traer a una banda poco conocida. Esa es la fórmula”, señala Renzo Estrada, DJ de Radio Doble Nueve desde hace más de diez años. “Capital Cities cumplía con el requisito básico: nos parecía una buena banda. Empezamos a programar 2 o 3 canciones de ellos. Las tocábamos seguido, entraron al ranking y así empezaron a dar vueltas en nuestra programación habitual. A la gente le gustó y el resto es historia conocida”.

DJ Renzo cuenta que similar fenómeno sucedió con The Drums. “Recuerdo que hace un par de años tocábamos en la radio algunos de sus temas y también un empresario apostó por traerlos. Los mismos The Killers, que solo fueron programados por Doble Nueve en el 2004, sonaron en otras emisoras debido a su éxito y ahora están regresando para llenar el Estadio Nacional. Keane también sonó en un comienzo aquí. La premisa de nuestra radio es poner lo que el mundo está escuchando, nada de refritos. Por eso no trabajaría en otra emisora… no podría estar poniendo Boys dont cry todos los días”.

¿Y ENTONCES?

“La piratería y la Internet son la nueva radio”, refirió algún tiempo atrás el mítico Neil Young. “El rock será remplazado por las redes sociales”, dijo Bob Geldof, conocido activista musical y responsable de los mega conciertos benéficos Live Aid y Live 8. Quizás en el vaticinio de ambos hombres ligados a la industria musical esté la respuesta ante este fenómeno. Y es que mientras el mundo está en el 2013, la mayoría de nuestros programadores radiales sigue en la década de los ochenta. Al menos ese es el sentir de aquellos radioescuchas que comparan los sonidos actuales con las canciones programadas usualmente en las emisoras abiertas de nuestro país.

La realidad demuestra que cada vez más la asistencia a los eventos masivos en el Perú está decayendo. La radio puede ser una de las principales responsables de esta caída, aunque aún faltan eslabones por resolver. Desde la visita de Paul McCartney en el 2011, considerado entre los eventos top a nivel mundial, el panorama se avizoraba alentador y convertía a Lima en plaza fija de las giras internacionales. Pero la debacle de Lady Gaga nos puso los pies sobre la tierra. Este 2013 recién empieza, así que habrá que esperar a ver si los nuevos modelos de negocio como el de Kandavu o las estrategias difusoras como la de Doble Nueve siguen prosperando. Si ese no es el camino, es probable que regresemos a las épocas en las que Leo Dan era el evento internacional del mes.

DOBLE, ¿QUÉ ESTÁS HACIENDO?

Doppelgänger es un espectáculo ganador de la beca Creación Distrital IDARTES 2011 de Bogotá. El personaje que nace en la mitología europea, es sinónimo de infortunio, mala suerte y muerte, un panorama poco convencional para un Día de los Enamorados, uno de los días en que se montará la obra. Hugo Alberto Rodríguez, su autor y director, le restó importancia a esta rara coincidencia.

¿Cómo escogiste el nombre de tu montaje?
La obra se llama Doppelgänger, cuya traducción del alemán es “el doble que camina al lado”. Fue inspirado en la medida que, dentro de la obra, aparece este doble y es como un augurio de mala suerte. Es también uno de los referentes que manejamos dentro de la obra. Básicamente, como lo veo, aparece el Doppelgänger y abre la puerta a la caída a un abismo, en cierta manera. La obra busca trabajar diferentes lenguajes en el corporal pero también en el nivel plástico, como el video. En el plano corporal se maneja mucho lo que es la danza contemporánea, la experimentación con ciertas calidades del movimiento que se fusionan con elementos de lo que es la danza clásica.

Me comentas que este personaje está relacionado con la mala suerte, yo había leído también que su aparición es un aviso de que la muerte está cerca. ¿No es un tema muy oscuro como para presentarlo en San Valentín?
(Risas) Dentro de mi concepción como artista, como creador, tengo una postura bastante optimista de la vida. Lo que busca la obra no es pensar en que tenemos un final trágico o un desenlace tortuoso, a pesar de que la obra apunta a ese final, sino a lo contrario: a plantearnos y reflexionar lo que son nuestros placeres. Al no saber manejar nuestros apegos, podemos caer en una adicción, lo que puede significar una dependencia, y que de alguna manera hace que nos perdamos de nosotros mismos. Creo que depende mucho de la reacción del público, pero yo disfruto mucho viéndola. No sé cómo pensará la gente pero no lo siento tan terrible con respecto a la obra (risas).

En la presentación de la obra hubo un video en el piso. ¿Eso se va a repetir en Lima?
Por las características del escenario, según lo que hemos hablado con la Asociación Cultural Peruano Británica, el video ha tenido que ser modificado. El público está por debajo del escenario y no podría ver el video. La artista visual que diseñó el video se llama Laura Criollo y no ha tenido problemas para modificarlo. No lo vemos como un problema sino como una oportunidad para reconfigurar el video para otro tipo de escenarios. Vamos a aprovechar este cambio para potencializar la sombra de los bailarines sobre las pantallas.

¿Crees que haya un doble tuyo en alguna parte del mundo?
Creo que de alguna manera todo el mundo es el doble de uno. Siempre nos vemos reflejados en las otras personas y así reafirmamos nuestra identidad.

LA COMUNIDAD DE CRISTINA

Cristina Velarde se ha propuesto una tarea difícil: que aquellos que hicieron desmanes en La Parada, los que te linchan por usar una camiseta que no es la de sus colores o los que te meten el carro sin siquiera sacar la mano para voltear, aprendan a vivir en comunidad. Su granito de arena en este sentido es la obra Allin munay, de la que ya pudieron disfrutar algunos en el pasado FAEL.

Allin munay significa vivir en comunidad, ¿la obra busca ser una lección en un país tan polarizado como el nuestro?
Es un cuestionamiento más que una lección. El punto de partida es este desencuentro que tenemos cotidianamente en todo sentido. Más que en una moraleja, lo que hace la obra es basarse en un principio andino, que es el sumac kausai, que busca un equilibrio entre tres dimensiones humanas: el hacer bien, el sentir y el pensar. La pregunta a partir de este principio era, “¿por qué no podemos tener un equilibrio en nuestra vida en comunidad?”. Hay episodios o anécdotas de excesos que se cometen y son resueltos por los bailarines de acuerdo a lo que sintieron en el proceso, buscando cuál debía ser su respuesta.

¿Estos excesos son hechos puntuales que han ocurrido en Perú?
están basados en acciones que se han dado aquí pero son llevados a un punto abstracto y metafórico. Por ejemplo, un momento que para mí fue un quiebre personal, en el que dije: “Esto no puede funcionar de esta manera” fue una noticia de un vecino que había construido una pared y la familia de al lado le pedía que por favor no lo construyera pero el vecino decía que como era su casa, él podía construir lo que le diera la gana. El hecho es que la pared se termina cayendo y mató a una de las hijas de la otra familia. La pregunta fue “¿Cuándo la gente encuentra el límite para no hacer lo que le da la gana?”. Esa frase es traducida metafóricamente en el montaje a través de un abuso corporal.

Y en cuanto a problemas políticos…
Es muy curioso porque cuando estábamos haciendo el montaje sucedió lo de La Paradaa. Eso hizo cuestionarse a todo el elenco sobre qué es lo que está pasando como comunidad. Conversando, una de las conclusiones a las que se llegó es que las personas son capaces de lo mejor y de lo peor. Existe esa dualidad en las personas.

¿Cómo se transmite estas anécdotas a través de la danza?
Yo planteo una inquietud y los bailarines buscan a través de sus experiencias personales, qué calza y que se asemeja a esta idea que yo les estoy dando. Una vez que lo tienen, buscamos cuáles son las palabras que toman estas experiencias. Por ejemplo, hay un cuadro donde son los chicos los que son agredidos verbalmente, que es lo que las mujeres del elenco se quejaban de la sociedad limeña.

La obra ya ha sido vista en el FAEL, ¿Qué respuesta encontraste del público?
Es una obra muy dinámica, que tiene música en vivo, con lo cual el nivel se levanta un montón. Hay seis músicos en vivo y siete bailarines. Es muy vital, todo el tiempo hay mucho flujo de energía. Los actores han sido muy naturales y creo que en ese sentido la obra ha refrescado. He tenido muy buenos comentarios en FAEL. No terminas con un sentimiento de “qué dura es la vida” ni “me voy a acuchillar”, que es a veces el problema que tiene la danza acá: es tan profunda que muchas veces el espectador sale más perturbado que conmovido. En este caso eso no pasa, es una obra que tiene mucha luz.

ESTE PERRO, PERRO MUNDO

Cuando le preguntamos a Morella Petrozzi acerca del título de su más reciente creación, Doggy style, ni siquiera se sonrojó y nos contestó muy suelta de huesos. ¿Cuál es la intención detrás de un título tan poco convencional? Exactamente la que estás pensando, pero también muchas más. Ella espera que se convierta en la Cats peruana.

Hay una cita de tu libro Tres cuentos que hace referencia a esta obra…
Sí, es el primer párrafo de Angst, un cuento que significa angustia en alemán. Fue un momento de mi vida muy angustiante. He tomado al perro como una excusa, y de protagonista a su vez, para hablar de la humanidad. Porque todo artista contemporáneo debe estar en contacto con lo que pasa en su mundo.

¿Cómo definirías la obra: una crítica a la humanidad o un llamado de atención?
Es todo. Claudia Odeh y yo hemos hecho la composición y la coreografía, y hemos dividido esta obra en 10 mini danzas, donde habrá unas de condena, otras de celebración, de cuestionamientos, de respuestas y unas más de simplemente mostrar una situación. La danza contemporánea y la que yo hago, buscan abrir la mente, es para que ese ser humano que vino a verla se cuestione y cree conciencia. Definitivamente quiero conmover. Si el público fue y no sintió nada fuerte, para mí fue un fracaso.

Las máscaras zoomorfas que usan los danzantes y la música, ¿las hicieron especialmente para la obra?
Sí, las primeras las hizo este maravilloso escultor que se llama Edward “Larvita” Garcés, y evocan a distintas razas de perros, pero con los hocicos como si fueran máscaras anti gas. La música es de Elder Olave, pero en un preámbulo de la primera escena, yo soy una drogadicta, que viene a ser la cuentacuentos de esta historia. Voy a estar con un equipito en el que va a haber canciones de músicos que han tomado al perro como protagonista.

Seguro estará Black dog de Led Zeppelin pero no creo que pongas El baile del perrito o Who let the dog out…

(Risas) También, y por qué no.

¿Sabes que el título de tu obra, Doggy style, tiene una connotación sexual?
Por supuesto, pero cómo no. La intención es justamente que la gente piense en eso. Es lo primero que se viene a la mente, pero lo más simplista también. “Doggy style, ah, la posición del perrito”. ¿Qué pasa si esa persona que va solo por ese título se encuentra con mucho más que esa pose? La idea es capturarte con un título sugerente… ya no sabemos qué hacer para que el público venga a ver danza contemporánea (risas).

¿Cómo ves el futuro de la danza contemporánea en el país?
Gracias a Dios, he tenido un público que me ha seguido durante todos estos años. Tengo un montón de alumnos que están tomando este bloque intensivo para formación de bailarines, que es para gente que tiene talento y quiere tomar la danza de manera profesional. Hay danza para rato porque cuando me ponga viejita y muera, estarán Claudia Odeh, José Luis Urteaga, Magaly Escudero, Pierina Rodríguez, todos los bailarines que vienen a la escuela y que participan en la obra.

¿Te gustaría que Doggy style se convirtiera en la Cats peruana?
Sería una versión canina de off Broadway, y claro, me encantaría que fuera una danza de repertorio que repitamos todos los años. Vamos a ver cómo nos va.

… estaban de parranda. Y es que después de conseguir el éxito, muchas bandas y músicos solistas suelen tomarse alguno que otro descanso entre disco y disco. Claro, en algunos casos, pueden tardar algunos meses para lanzar su siguiente producción discográfica o, como es el caso de los artistas que te presentaremos en esta lista, incluso décadas. Bueno fuera que Susy Díaz pensara igual…

EL ZIGGY ESTÁ DE VUELTA
David Bowie – The Next Day (2013)

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SONRIENDO POR EL REGRESO
Brian Wilson – SMiLE (2004)

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¿KILL BILL?
Bill Fay – Life is People (2012)

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SI EL PUEBLO LOS PIDE…
Guns N’ Roses – Chinese Democracy (2008)

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NIÑA PRODIGIO
Björk – Björk (1977)

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RESURRECCIÓN DIGITAL
The Beatles – Anthology 1 (1995)

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DE LO NUEVO, LO MEJOR
Leonard Cohen – Ten New Songs (2001)

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A JUGAR CON LAS MUÑECAS
New York Dolls – One Day It Will Please Us to Remember Even This (2006)

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LAS MÁQUINAS CONTRAATACAN
Kraftwerk – Tour de France Soundtracks (2003)

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[BONUS TRACK]
My Bloody Valentine – M B V (2013)

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Era el 8 de febrero del 2012 cuando Luis Alberto Spinetta partió repentinamente de este mundo. Claro que él nunca fue de este planeta. Tenía, más allá del talento musical, una perspectiva diferente a cualquier artista. Y es que el “Flaco” ha dejado un legado para la posteridad, a través de sus más de 40 años dedicados a lo que más amaba: la música. Por eso, a un año de su partida, te presentamos cinco razones por las cuales deberías escucharlo  y considerarlo -al igual que nosotros- inmortal.

MUCHACHA ETERNA

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PESCADO REVOLUCIONARIO

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¿ANTONIN… QUIÉN?

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EL EQUILIBRIO EN UNA BANDA

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EL EQUILIBRIO EN SOLITARIO

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No es que no se quieran. Todo lo contrario: los integrantes de la banda estadounidense The Killers siempre han manifestado una unión que se refleja en su exitosa carrera. Claro está que esto no ha impedido que cada uno de ellos decida emprender proyectos solistas. Aquí te presentamos algunos de estos trabajos en solitario, previo a la segunda visita de la banda a nuestro país el próximo 4 de abril. No te preocupes, siguen juntos… a menos que se aparezca una Yoko.

¡NO TE VAYAS BRANDON!
Brandon Flowers (vocalista)

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Algunos creyeron que el principio del fin de The Killers llegó cuando Brandon Flowers lanzó su disco solista, Flamingo, en setiembre del 2010. Pero simplemente fue la apuesta del vocalista durante el descanso que el grupo había decidido tomar en el 2009. Con más de 41 mil copias vendidas, Flamingo debutó bastante bien en los charts internacionales e impulsó la imagen de Flowers a niveles insospechados. Crossfire fue la canción elegida como sencillo promocional.

DE POCAS PALABRAS
Ronnie Vannucci (baterista)

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Aparte de encargarse de la percusión en The Killers, el baterista Ronnie Vannucci decidió emprender una aventura paralela: Big Talk, un proyecto en el que se aleja de las tarolas y los platillos para hacerse cargo de la voz principal y la guitarra. Junto al músico Taylor Milne, formó este dúo que ya presentó su primer disco homónimo en el 2011, del cual se desprende el sencillo Replica, cuyo video puedes ver en esta cápsula.

EN OTRA VIDA, QUIZÁS
Mark Stoermer (bajista)

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Dos años de componer canciones en hoteles y de grabar demos en su laptop personal fue lo que necesitó el bajista Mark Stoermer para concretar su primer álbum solista Another Life, lanzado al mercado norteamericano en noviembre del 2011. Doce canciones componen este primer trabajo que fluctúa entre el rock alternativo y el psicodélico por momentos, una de las cuales podemos escuchar en el videoclip que acompaña estas líneas: Weary Soul.

CON UNA AYUDITA DE MIS AMIGOS
Dave Keuning (primera guitarra)

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Es uno de los coautores de los más grandes éxitos de The Killers, pero aún no se ha animado a lanzar proyecto solista alguno. Sin embargo, ha colaborado con un solo de guitarra en la canción Welcome to Fabulous Las Vegas del disco en solitario que lanzó Brandon Flowers. Además, en el 2012, participó en la grabación de guitarras de la canción Wander (video de arriba) del dúo norteamericano We Are Hyena.

Ritmos innovadores e investigación sonora. Así podemos definir el trabajo realizado por los DJ argentinos Chancha Vía Circuito y Villa Diamante, quienes han logrado fusionar los más impensables elementos en una serie de proyectos musicales que han cosechado elogios de la prensa especializada internacional. Conversamos con ellos aprovechando esta nueva visita a nuestro país donde se presentarán el viernes 11 de enero en el Dragón del Sur.

RECOGIENDO EL SONIDO
DJ Chancha Vía Circuito

¿Qué te brinda la electrónica como lenguaje musical que no encuentras en otros géneros?
La música electrónica te da un abanico de posibilidades tímbricas que no tenés con
los instrumentos tradicionales. Justamente, la idea es generar sonidos que no existían antes dentro de la naturaleza y en ese mundo artificial electrónico podemos encontrar cosas que suenan bastante orgánicas que se complementan muy bien con lo natural. Se abre mucho el campo de posibilidades sonoras.

Entonces, no descartas los sonidos naturales…
Me encanta descubrir cosas nuevas. Viajo recolectando sonidos por Latinoamérica para usarlos en mis producciones. Por ejemplo, en mi último viaje a la selva amazónica, me di cuenta de que ciertos bichos generaban sonidos que no parecían de este mundo, son casi extraterrestres. Un simple insecto puede generar eso. Es muy amplio el espectro.

¿No es un espectro sonoro prácticamente infinito?
Infinito, así es. Pero lo bueno es que cuando recolectas esos sonidos puedes procesarlos electrónicamente y trabajarlos de manera complementaia para producir los tracks finales.

¿De ahí que tu última y elogiada producción Río arriba lleve ese nombre? ¿Es parte del concepto del disco?
El nombre no fue elegido particularmente por la búsqueda sonora a partir de mis viajes por Latinoamérica. Tiene más que ver con el hecho de ir cuesta arriba musicalmente… es decir, yendo contra la corriente. Como el salmón.

EXPERIMENTANDO Y BAILANDO
DJ Villa Diamante

¿Sientes que la electrónica te permite explorar paisajes sonoros más amplios?
Sí, es lo que se consigue con el mashup (mezcla de géneros musicales)… la idea es congeniar mezclas en las que estén presentes diversas expresiones. Puedo juntar al rock, con la cumbia, con el hip hop, con el folklore, con el dubstep… juntar sonidos netamente latinoamericanos con algunos que pueden llegar de otras culturas como la británica, por ejemplo.

Y eso se refleja en los sets que preparas para tus presentaciones…
Claro. Trato de que mis sets sean viajes por la cultura pop concebida por mí… pasando por The Chemical Brothers y llegando hasta Los Mirlos. Procuro jugar con los sonidos de la cultura under también y mezclarlos con algo por ahí más mainstream.

¿Y esa libertad sonora tiene algo que ver con el hecho de que te mueves en una escena independiente… sin presión de disqueras?
Cada uno de los DJ somos artistas. Por ahí la diferencia es que cada disco que producimos independientemente va buscando un camino diferente al anterior, como que va evolucionando. Si escuchas un disco de reggaetón y lo comparas con su predecesor, es prácticamente lo mismo… solo han cambiado un par de cosas. Como nuevas canciones de lo mismo. Nosotros realizamos una búsqueda artística de sonidos y de conceptos rítmicos.

Eso quiere decir que tus sets cambian constantemente…
A mí me gusta trabajar mis sets con el tema de la referencia, que te transporten a cierto momento y lugar de la historia de la música. Que te lleven a diferentes culturas. Por eso me encanta trabajar con los mashups porque me dan la posibilidad de crear una especie de mapamundi sonoro. Hacer recorridos musicales.

Cuándo: 11 de enero
Dónde: Dragón del Sur
Entradas: Chicas libre hasta las 11:30 PM
Facebook: http://www.facebook.com/events/249402081858135/

Cuando nos referimos a House of cards, la serie que desnuda lo que hay detrás de la carrera de un inescrupuloso congresista gringo hacia la Casa Blanca, es inevitable hablar de enemigos, insultos, zancadillas, grandes sumas de dinero y disputas, aunque no nos estaremos refiriendo, exclusivamente, a la trama.

Y es que detrás de esta producción, hubo una subasta que atrajo a los ejecutivos de HBO y AMC para hacerse con los derechos de esta serie, un remake de la producción británica del mismo nombre, producida por Kevin Spacey y David Fincher. Pero nadie pensó que Netflix, la plataforma de películas y series en línea, sacaría de la billetera 100 millones de dólares para arrebatarles la franquicia a las poderosas cadenas de cable.

Si eres de los que ningunea a Netflix y lo reduce a una especie de blockbuster en línea, deberías reconsiderar tu prejuiciosa posición y enterarte de que esta empresa ya no se limita a ofrecerte un catálogo de productos que compra a otros, sino que ya se lanzó a hacer sus propias producciones exclusivas. Su primera apuesta fue la serie Lilyhammer, para la que contaron con Steve Van Zandt –Silvio Dante en Los Soprano– como protagonista, y que fue estrenada en Noruega en enero del 2012.

House of cards no se queda atrás en cuanto a figuras. El mismo Kevin Spacey le dará vida a Francis Underwood, un parlamentario conservador que no dudará en sacar los esqueletos más sucios de sus contrincantes con tal de llegar al poder. Hijos no firmados, orgías con drogas, presuntos vínculos con agrupaciones extremistas y acusaciones de corrupción serán cosas de niños comparados con las maniobras que puede realizar este hijo de puta. A Spacey lo acompañan actores como Michael Kelly (Person of interest), Robin Wright (Los hombres que no amaban a las mujeres) y Kate Mara (American horror story). Y para que no piensen que el otro productor se la pasa de ocioso, David Fincher ha dirigido los dos primeros episodios.

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El trasvase de estrellas de la pantalla grande a la televisión no es nuevo, pero Spacey tiene su propia teoría: “Tuve la suerte de participar en películas en un momento muy interesante para el drama. Pero si ves ahora, las miradas no están en el mismo tipo de películas que se hicieron en los noventa. Cuando miro ahora, las historias más interesantes, los personajes más interesantes, están en la televisión”.

Para The Hollywood Reporter, el streaming (la modalidad con la que trabaja Netflix), es el futuro de la televisión y House of cards, por casting, presupuesto y expectativa generada, parece confirmarlo. La plataforma lanzará los 13 capítulos de la serie el mismo día, como para que te mandes un maratón cuando estés pegadazo. ¿Qué tanto se pueden destripar los políticos con hambre de poder de la serie? Probablemente tanto como los directivos de las cadenas de cable.

Estreno: 1 de febrero (Netflix)

Ha participado en exitosas series norteamericanas como The Shield y Justified, y ahora es Billy Crash –uno de los villanos de Django desencadenado, la nueva película de Tarantino–, despiadado entrenador de esclavos que organiza sangrientas peleas clandestinas entre ellos. Un motherfucker, en sus propias palabras. Es un bad boy de la televisión y ahora del cine al que le encanta la complejidad que le brindan los personajes más oscuros. Sin embargo, en la vida real, tiene su corazoncito. Dedomedio conversó con el malo que aunque disfruta de serlo, en el fondo quiere, por fin, ser el bueno de la película.

Las tarjetas personales de Walton Sanders Goggins Jr. podrían decir tranquilamente: “Walton Goggins, profesión: malvado”. Y es que precisamente los papeles de antagonista le han valido a este actor sus mejores críticas. Forjó fama en la serie policiaca The Shield (2002) –ganadora de un Emmy en su primera temporada y que en 2008 se coronó en el primer puesto de las series de televisión según el top 10 elaborado por la revista Time–, donde encarnó al desalmado detective Shane Vendrell, parte de un grupo de asalto que combatía el crimen a través de violencia policiaca, extorsión, chantajes y asesinatos. Luego vendría otro gran villano con su exitosa aparición en Justified, show en el que interpreta al truhán Boyd Crowder, némesis de Raylan Givens, el protagonista. Walton hizo un malo tan bueno que Crowder, quien iba a ser asesinado en la primera temporada, se convirtió en un personaje inamovible debido a la gran acogida que tuvo en la audiencia. Ahora el también ganador de un Oscar en 2001 como productor del cortometraje The Accountant, seguirá sacándole réditos a su facilidad para interpretar el papel de maloso cuando le dé vida a Billy Crash en el más reciente film de Quentin Tarantino, Django desencadenado. Pero desde el otro lado de la línea telefónica, Goggins suena sumamente amable y no produce el temor de sus personajes.

Has sido reconocido por las exitosas The Shield y Justified, ambas con muy buenas críticas. Has ganado un Oscar por un corto y has grabado con dos de los directores más importantes del medio. ¿Podrías decir que ahora te sientes cómodo en la alfombra roja?
Esa es una gran pregunta. Nadie me la había hecho antes. No sé cómo hay gente que se siente tan bien con eso porque ahí hay una extraña configuración de personas. No creo que haya alcanzado un punto en el que me sienta completamente cómodo con esto, pero creo que por lo menos lo manejo mucho mejor de lo que alguna vez pude haberlo hecho. Me genera un poco de ansiedad que cada vez me sienta más cómodo en la alfombra roja. De todas formas, ahora estoy un poco más contento con esto.

¿No te cansa ser siempre el malo? ¿Alguna vez has deseado ser el bueno, o siempre es más divertido pegarla de villano?
A veces me canso de ser el chico malo. Me gustaría estar en una comedia romántica tanto como a cualquier otro. Pero habiendo dicho eso, de verdad disfruto mucho la complejidad de los personajes que he tenido la oportunidad de interpretar. Si estás haciendo el papel de alguien, por muy oscuro que sea, debes entender que hay múltiples razones para que esa oscuridad permanezca allí. Todos somos seres humanos poseídos por el bien y el mal y estos extremos son frecuentemente explorados por el cine a través de las historias.

Billy Crash, tu personaje en Django desencadenado, tuvo que fusionarse con el de Ace Woody, uno muy sólido y con mayor relevancia para la historia, debido a que Kurt Russell dejó el rodaje. Cuando tu personaje ganó protagonismo, ¿sentiste mucha presión y responsabilidad?
Cuando una cosa así ocurre sería muy fácil caminar hacia la puerta de salida y sentirte invadido por el miedo. Pero como cualquier gran experiencia en la vida, si te paras justo frente a ella y no dejas que te mande, entonces tú estarás por encima. Al principio fue difícil compartir el set con actores que han estado por mucho tiempo en la industria. Para superarlo, me calmé y me di cuenta de que había muchas personas a mi alrededor que me ayudaban y me refugié en eso.

Me imagino que la recompensa es ver tu trabajo al final…
Claro que sí. Te sientes completo al final de día. Sentí que estaba contribuyendo con algo que trasciende casi todo lo que he hecho. Fue genial actuar en Django desencadenado y poder ser un color con el que Tarantino pueda pintar. Es mucho más grande que todo lo que hecho hasta ahora.

Hablando de Tarantino, ¿qué tal tu experiencia trabajando en el set con él?
Fue muy estimulante trabajar con un hombre que tiene una pasión, un amor y un apetito insaciable por contar historias. Es incansable cuando se trata de hacer elecciones, es una de las personas más curiosas que he conocido en mi vida. Es un apasionado del cine, definitivamente.

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Ésta es una película que retrata un episodio oscuro en la historia de Estados Unidos. ¿Te gusta la idea de poner en el tapete este tipo de temas? ¿Es incómodo hablar de este vergonzoso periodo?
Sí, es incómodo. Pero una persona necesita incomodarse para poder cambiar. Creo que las conversaciones sobre este periodo tan oscuro en la historia del país necesitan salir a la luz una y otra vez para que la gente cambie. Para esta generación de gente joven, no existe mejor facilitador que Tarantino, ya que él es capaz de recrear el horror con una pizca de humor. Todos han tenido un cuenta historias favorito. Y ahora contamos los periodos oscuros a través del cine. Lo que no se logre en esta película, otro cineasta tan talentoso como Tarantino lo logrará en 20, 30 ó 40, años.

Has sido un miembro activo del Partido Demócrata durante la campaña de Barack Obama. Fuiste, literalmente, de puerta en puerta tratando de convencer a las personas para que voten por él. ¿Qué fue lo más curioso o gracioso que te pasó?
He tenido conversaciones con gente que no estaba de acuerdo con la filosofía de Obama, pero felizmente todo fue muy civilizado. Si vas buscando uno por uno, si no existe interferencia ni ganas de persuadir como sea a la otra persona, en promedio, las personas se van a sentar a escucharte y a tratar de entenderte, y todo eso con mucho respeto y eso que era un periodo en el que se estaba en plena campaña y todo estaba tan polarizado. Eso fue genial.

¿Me estás diciendo que mientras hacías campaña a favor de Obama, yendo de puerta en puerta, nadie te trató mal?
No, para nada. Nadie me trató mal. Todos fueron muy respetuosos.

¿Dirías que estás satisfecho con su gobierno?
Ésta es una pregunta muy grande. No creo que sea capaz de respondértela.

Pero al menos, ¿estás contento con su reelección?
Bueno, no puedo responder a este tipo de preguntas… pero sí, claro que estoy contento.

Leí que dijiste en una entrevista que el amor es un gran liberador y hasta has citado a The Beatles con un: “All you need is love”.

Soy un romántico. Tengo una curiosidad romántica con el mundo. Y tengo la habilidad nata de tener compasión por un amigo, por mi esposa, por mi enemigo, por la naturaleza. Si tienes compasión por otra entidad puedes resolver las discrepancias con amabilidad y amor. Y cuando no puedo hacerlo presiono mi botón de reset y recalibro mi lugar en este mundo. Eso es más o menos en lo que creo.

La veo con una taza de té y estoy tentada a pensar: “Qué tal cliché: una inglesa tomando té”. Pero no lo es –la entrevista es al mediodía, muchas horas antes del “tea time“. Su banda, tampoco. Recontra indie, eso sí, como seguro te gusta. Jenny Ball toca la trompeta. Conoció a Pantera y a Icho, dos mexicanos que estaban en Madrid, hace cinco años. Pantera –el guitarrista que de pantera no tiene nada– jaló a David –el madrileño que dejó el flamenco para tocar el cajón con ellos y que ahora toma su Inca Kola como debe ser. Con ustedes Jenny and The Mexicats, quienes han sido invitados al Vive Latino 2013 y nombrados la Mejor Banda Revelación de España 2012. No te los pierdas este fin de semana en tu distrito de perdición favorito.

¿Cómo se las arreglan para manejar tantos géneros rock, pop, folk, jazz y hasta cumbia..?
Jenny: Simplemente escribimos las canciones y cada uno pone su toque, no nos vamos fusionando con intención.
Icho: Somos muy distintos uno del otro, cada cual tiene un género y una manera de ver la música totalmente contraria a la del otro. Tenemos culturas muy distintas y esa es la fusión real. Lo que suele pasar con los grupos es que eligen un género y solo tocan eso, aquí cada uno tiene el suyo y trata de defenderlo como puede y así nace la fusión accidental.
David: Así fue hace cuatro años. Ahora creo que la banda ya tiene un sonido que inconscientemente buscamos y nos sale natural. Aunque al comienzo cada uno simplemente hacía lo que sabía y le gustaba hacer.
Jenny: Cada uno tiene gustos diferentes, creo que, incluso, Icho nunca ha escuchado el disco favorito de David.

A propósito de eso, la pronunciación de Jenny es muy buena, no tiene el típico acento inglés a la hora de cantar…
Jenny: No, no es cierto.
Icho: Fue una de las cosas que más me impresionó. Una vez me llamó y me dijo: “Estoy en el estudio, escríbeme una canción en español”. Ella vivía en Inglaterra y nosotros en España y yo le decía: “Pantera, Pantera, ayúdame a escribir una canción en español”. Entonces escribimos un poema y al día siguiente me lo mandó grabado y me quedé impresionado por cómo una persona que no puede decir ni hola, pronunciara tan bien el español. No se le notaba el acento.

David, cuéntame ¿cómo aprendiste a tocar el cajón, cómo llegaste a ese instrumento?
David: Lo conocí por el Flamenco. En España se usa básicamente para eso y tiene algunas modificaciones con respecto al peruano. Tiene cuerdas adentro. Me enamoré de él cuando lo conocí.
Jenny: No solo es un instrumento, es una silla, es una mesa. Cuando viaja y ya no tiene espacio en la maleta también mete su ropa ahí.
David: Jajaja. Sí, si veo ancianas en el metro les doy asiento.

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¿Su visita al Perú es parte de alguna gira por diferentes países de Sudamérica?
Pantera: No. Hemos estado en México como seis meses y nos fue muy bien. Luego nos llegó la oportunidad de venir aquí. De hecho, tenemos la idea de regresar varias veces en el transcurso del próximo año. Es nuestra primera vez y queremos conocer al público para ver qué tal nos va. Conocimos a Gianmarco en México y es muy amigo nuestro. Él fue quien nos dijo: “Tienen que venir a Perú”.

Tienen solo cuatro años como banda y han logrado posicionarse en distintos mercados como España y México y ahora van a estar en el Vive Latino, ¿a qué creen que se debe que su música tenga tanto éxito?
David: Creo que es porque tenemos una cosa muy fresca, muy diferente.
Icho: Las melodías son muy pegadizas. Jenny tiene un don y por ello le agradecemos. Su manera de componer es muy especial, aparte que es muy de trompeta, es muy distinta a la mía que hago el contrabajo. Creo que también es la particularidad de nuestros instrumentos, que son acústicos  que llegan a hacer una fusión y un sonido que te hacen bailar.

¿Fueron muy duros sus inicios?
Icho: Tenemos suerte porque podemos cargar nuestros instrumentos y subirnos a una camioneta con las mismas. Era cuestión de llamar a bares y decir que si nos pagaban el hospedaje y la comida nosotros tocábamos. El viaje se pagaba vendiendo discos. Así conocimos España. Y nos dimos cuenta de que ese tipo de promoción funciona muy bien. Creo que nos defendemos bien tocando. Lo que mejor nos viene es hacerlo en vivo.
Pantera: Hay muchas bandas que megaproducen un disco y luego en vivo son al revés.
Jenny: Nosotros, en cambio, teníamos el directo muy trabajado antes de grabar el disco.

¿De dónde sale The Mexicats?
David: Buenos, somos dos mexicanos y un madrileño, a los de Madrid nos dicen gatos. Como la banda se formó ahí, también le quisimos poner un poco de esa identidad.

¿Cuáles son los temas principales que tratan en éste, su primer disco?
Jenny: De la vida, de todo. No sé. No somos muy llorones en verdad.
Pantera: Bueno yo sí tengo el mal del mexicano telenovelero.
Jenny: Jajaja. Cuando hago una canción depende de mi día. Si estoy triste no me voy a poner a cantar con la guitarra: “Ese chico me rompió el corazón, qué hijo de la m…”. No. Pero es esa la energía que me hace escribir algo y sale melodía. Muchas veces escribo en el baño. Mientras me lavo las manos, me miro al espejo y empiezo a cantar. Con las manos mojadas empiezo a escribir o a grabar en el celular.
Pantera: ¿Muchas veces? Siempre sales corriendo a pedir el celular.

¿Cuánto tiempo se van a quedar por acá? ¿Van a hacer algo de turismo?
Pantera: Vamos a estar hasta el sábado por la noche. Ese día regresamos a México porque tenemos un concierto en Puebla el 9. Vamos a estar cuatro días aquí y a hacer mucha promoción. Luego vamos a regresar en abril y en agosto del 2013, seguro.

Cuándo: 6, 7 y 8 de diciembre
Dónde: L’Anfiteatro de Antica en Barranco
Entradas: S/. 20.00
Twitter: @Jennyandmexicat 
Facebook: http://www.facebook.com/jennyandthemexicatsmusic?fref=ts