Catupecu Machu es, sin duda, una de las bandas más interesantes que han aparecido en la Argentina de los últimos veinte años. A pesar de su prolongada carrera musical, nuestro país había quedado fuera de sus constantes giras. Para alegría de sus fanáticos, los liderados por Fernando Ruíz Díaz regresan a Lima por segunda vez en menos de un año y medio (ocasión en que también los entrevistamos). Esta vez llegarán para ser parte del Acustirock Argentina que se realizará este 14 de junio en el Embarcadero 41 de Barranco. 

¿Cuán conformes quedaron con el sonido logrado en su más reciente álbum, El Mezcal y la Cobra?
Cuando uno graba -al menos en nuestro caso- se piensa mucho en los resultados y en cómo lo recibirá el público. Con El Mezcal…, ya son siete los discos de estudio de Catupecu, por lo que los muchachos se sienten bastante satisfechos. Son doce canciones con un sonido bastante compacto y bien logrado. De verdad, estamos muy conformes.

Además es el primero en el que participas como baterista…
Sí, eso lo hace muy especial para mí. Antes ya había trabajado como productor del grupo, específicamente en la realización de El Número Imperfecto, que se lanzó en el 2004, además de haber acompañado a la banda en algunos conciertos como músico de apoyo. Pero nunca había grabado como miembro oficial, así que estoy más que contento con el resultado.

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¿Ya están pensando en alguna próxima producción discográfica?
Sí, estamos conversando al respecto porque cada uno de nosotros también tiene sus proyectos por separado. En el 2013 tenemos muchos shows por delante y aprovecharemos los tiempos libres para seguir trabajando en algunos temas nuevos que se nos vayan ocurriendo.

Ahora, regresan a Perú en menos de un año y medio… ¿Qué expectativas tienen con este Acustirock Argentina?
Es gracioso cómo antes del 2012 Catupecu jamás había tocado en Lima y ahora estamos regresando en tan poco tiempo. Perú es uno de nuestros lugares favoritos para tocar en Sudamérica y creo que estamos saldando una cuenta pendiente con ustedes al regresar en este año. Con este Acustirock estamos muy entusiasmados porque ya conocemos al público limeño y porque además compartiremos una celebración especial de una banda tan mítica como Rata Blanca. Hemos preparado un show con lo mejor de nuestra discografía.

¿Cuándo? Viernes 14 de junio
¿Dónde? Embarcadero 41 de Barranco
¿Hora? Desde las 9pm
¿Cuánto? 105 soles (general) 156 (vip)

Aparecieron con su punk rock al mismo tiempo en el que bandas como Greenday y The Offspring conquistaban el mercado con el mismo género musical. Y es que desde 1992, a los californianos de Lagwagon lo único que les ha importado es hacer música, desafiar lo establecido y tocar solo lo que a ellos les gusta. Esas son algunas de las ideas que propone Joey Cape, vocalista y fundador de la banda que nos visitó por primera vez.

Aunque junto a su banda nunca se había presentado en Lima, Joey Cape ya sabía lo que era tocar aquí. Fue en el 2009, frente a una nutrida audiencia que se dio cita en La Noche de Barranco. Guitarra en mano, el músico presentó un show acústico en el que no solo repasó algunos de los temas emblemáticos de Lagwagon, sino que dio a conocer su primer trabajo como solista, Bridge (2008).

Para muchos, una leyenda del punk californiano noventero. Para otros, la banda que marcó su adolescencia. Lagwagon nació en 1990, pero se dio a conocer luego de firmar con la mítica discográfica Fat Wreck Chords (de propiedad de Fat Mike de NOFX) y lanzar su álbum debut, “Duh”, dos años después. Han pasado ya 21 años desde ese lejano 1992…

¿Cómo tomas estos más de veinte años de carrera?
Ha sido un viaje largo, pero uno muy bueno. Mucho tiempo y muchas cosas han pasado desde el Duh… sì, las cosas han cambiado bastante. Aunque yo suelo ver el pasado como un periodo de tiempo que nos ha permitido evolucionar musicalmente.

¿Y cuánto crees que han evolucionado?
Lo suficiente, porque aún falta bastante. En general, la música se ha sofisticado de tal manera que incluso muchos intérpretes se han alejado  de sus raíces musicales y se concentran en la producción excesiva. Creo que si en algo ha cambiado Lagwagon -o evolucionado, para seguir con tu pregunta- es en la cantidad de pasión que le metemos a los discos.

Sin llegar a la producción excesiva que mencionas…
Claro. Me refiero a la exigencia personal como músicos y al disfrute que tenemos en cada proceso de grabación. Otros ven a la música como algo unidimensional y creo que eso es una trampa, porque hay demasiado por hacer y descubrir.

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En enero de 1994, Lagwagon lanzó su segundo disco de estudio, Trashed. En ese mismo año, aparecieron el Dookie, de Greenday; Smash, de The Offspring; y el Punk in Drublic, de NOFX, tres discos fundamentales para entender la escena punk californiana de los años noventa. Y muy exitosos a nivel comercial.

Competir de algún modo con una propuesta similar -musicalmente hablando- con estos tres monstruos… ¿no los intimidaba?
Nunca hemos tenido problema con eso. Supongo que ellos se mueven en un mercado mucho mayor al que nos movíamos y seguimos moviendo nosotros, con grandes disqueras y millones de dólares detrás de sus producciones. Siempre he sentido que ellos son más como un McDonald’s y nosotros algo como el restaurante familiar del barrio. No jugamos en el mismo escenario.

Al decir que ellos son como McDonald’s, quieres decir que son un poco vendidos musicalmente…
No, tampoco se trata de eso. A nosotros no nos importa hacer discos que vendan millones. No digo que ellos lo hagan, pero nunca fue nuestro objetivo hacer eso. A mí solo me interesa hacer música con mi banda y tocar lo que me gusta… lo cual siempre es el camino más difícil. Lagwagon no está interesada en convertirse en una banda pop, pero cada quien es libre de hacer lo que hace. Y creo que a nosotros nos ha funcionado esa filosofía… y bastante bien.

Quizás en algún momento la salida de algunos integrantes pudo perjudicar esa filosofía que sostienes. ¿Sientes cambios sustanciales en Lagwagon y en su sonido original a partir de estos hechos?
El sonido definitivamente cambia, porque cada músico tiene una química diferente con su instrumento y con el resto de nosotros. Por ejemplo, cuando Derrick (Plourde, batería hasta 1997) se fue, sentí el cambio más radical porque él tenía un estilo muy particular al tocar la batería. Uno más rockero y tradicional. Dave Raun, quien lo reemplazó, toca más al estilo power rock. Con esto no quiero decir que mi banda no funcione tal y como está conformada actualmente (risas), sino que siempre se siente el cambio. Aunque en este caso ha sido favorable. Igual, la evolución musical se da con o sin cambios de integrantes, solo con la fuerza de la misma música.

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Durante los años noventa, la banda lanzó tres discos más: Hoss (1995), Double Plaidinum (1997) y Let’s Talk About Feelings (1998). Los californianos se habían convertido en uno de los grupos más prolíficos de la escena punk de esa década e incluso fueron parte de diversos soundtracks de películas y videojuegos. Para la década del 2000, seguirían solo dos producciones: Blaze (2003) y Resolve (2005), siendo ésta su más reciente placa discográfica.

¿Por qué no han lanzado material nuevo en casi ocho años?
Creo que en algún punto uno decide dejar de hacer ciertas cosas y dedicarse a las que había dejado aplazadas por el ritmo intenso de estar en una banda. Sucede que cuando tienes siete discos de estudio grabados, también tienes material suficiente como para hacer giras constantemente. La gente quiere escuchar siempre las viejas canciones y nosotros llegamos a entender ese sentimiento. Creo que toma un par de años, por lo menos, para que un disco se quede en el recuerdo de quienes los escucharon por primera vez y se convierta en un clásico para la mayoría.

O también podría darse un bajón creativo…
Son muchísimos factores. Podría mencionarte, por ejemplo, la presión de las disqueras que nos exigen componer álbumes enteros en tiempos en que los discos ya no se venden. Y eso es precisamente lo que no me agrada: componer bajo presión, porque creo que la música es lo más puro que se puede hacer y es todo un proceso artístico. Me parece una mierda tener que hacerlo por obligación. Por eso preferimos hacer giras. Creo que son muy pocos los que pueden entender la romántica idea de hacer un álbum y todo lo que ello implica. Pero así soy yo, esa es mi opinión. Resulta que no quiero hacer un disco malo y prefiero no hacerlo.

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Cuando salió el Trashed, en 1993, ustedes dijeron que no era ni por asomo su mejor disco aún, a pesar de que muchos fans lo consideran asì. A estas alturas del partido, ¿crees que ya tienen un “mejor disco”?
Bueno… no, porque es muy difícil ser objetivo con tu propia música. Creo que amo y he amado todas las producciones que hemos lanzado al mercado. Son como mis bebés… y mi banda es como mi familia. Claro que cuando escucho alguno de estos álbumes, reconozco las cosas que me encantan de ellos y las que detesto. Individualmente, todas son producciones diferentes y no podría decir cuál supera a la otra. Es normal… porque si estuviera 100% conforme con lo que hemos hecho, no seríamos artistas. Siempre tenemos que querer más de nosotros.

Ellos hacen indie rock pandillero, pop apocalíptico, kraut campestre y punk espacial. Al menos así definen su música. De un tiempo a otro, El Mató a un Policía Motorizado se ha convertido en la banda revelación de Argentina. Y la que tiene el nombre más enigmático de todos, algo que replican sus integrantes Santiago Motorizado, Doctora Muerte, Pantro Puto, Niño Elefante y Chatrán Chatrán. Acaban de lanzar su segundo disco de larga duración, Dinastía Scorpio, y ya se pasearon por el festival Vive Latino, el South by Southwest (SXSW) y varias ciudades de Europa. Así que agárrense chicas del escuadrón Fénix.

“Ahora somos nuevos creadores de rocanrol. Tranquilos, todo va a estar más o menos bien”, canta Santiago Motorizado, líder y principal compositor de El Mató, como prefiere renombrar a su banda para no perder tanto tiempo. Y es que en Argentina no para de dar entrevistas. El grupo que lidera se ha convertido en el nuevo abanderado de la escena independiente de su país, con una propuesta sonora que rinde tributo a lo mejor del indie rock y noise noventero. Aunque él deteste las etiquetas en la música.

¿Es por eso que se inventaron todos esos géneros musicales?
No creo que las etiquetas funcionen para ningún artista. Te encierran y te obligan a corresponderlas. Entiendo que a la hora de comentarle a alguien qué tipo de arte estás haciendo, siempre es difícil describirlo de manera breve y concisa. Lo mejor siempre será que cada uno escuche nuestra música y saque sus propias conclusiones. Preferimos inventar nuestros propios géneros musicales para esquivar todo ese rollo. Así que somos representantes del indie rock pandillero, del pop apocalíptico, del kraut campestre y del punk espacial (risas).

Son buenos inventándose nombres. Algo que trasladaron al bautizar la banda…
Sucede que Manu, uno de los guitarristas, quería que el nombre, por sobre todas las cosas, sea uno extraño y que no parezca el de una banda. Así que empezó a buscar frases en algunas de esas películas chatarra de Hollywood. En una de ellas vimos un subtítulo que decía la frase “él mató a un policía motorizado”… y nos quedamos encantados. En nuestra ciudad no había entonces policía motorizada, lo que lo hacía más divertido.

¿Ustedes son de la ciudad de La Plata, verdad?
Sí, es una ciudad muy pequeña y cercana a Buenos Aires. Ahí vivimos y nos conocimos todos en el colegio secundario. Fue en esa época en que nos juntamos todos. La música nos unió, porque compartíamos el favoritismo por las mismas bandas. Además, aquí en La Plata todos se conocen y se vive una vida de provincia, a pesar de estar tan cerca de la capital.

Hasta que decidieron hacer su propia música. ¿Cómo es el proceso de creación de sus canciones?
Yo me encargo de hacerlas en primera instancia. O sea, la melodía principal y la letra. Después todos juntos en el estudio le damos forma, le ponemos los ritmos, las pautas y los arreglos correspondientes. A veces, cuando tenemos más tiempo, nos juntamos y entre todos empezamos a crear cosas.

En el sonido de la banda identifico el de Yo la Tengo, Pixies, Sonic Youth… ¿son acaso sus influencias directas?
Es gracioso que me lo digas, porque son las bandas que me volvieron loco de chico y las que fueron motor de todo esto. Antes de hacer El Mató, sentíamos que debíamos continuar ese sonido que tanto nos gustaba… hacer una versión más cercana. Me acuerdo que por esos años me prestaron un cassette compilatorio del sello Matador (discográfica emblemática del indie rock) y me volvió loco todo ese espíritu, más allá de las canciones. Queríamos hacerlo realidad en Argentina.

¿ADIÓS, ANONIMATO?

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En el 2004, la banda lanzó su álbum debut homónimo y empezó a llamar la atención de la prensa especializada. A Santiago lo acompañaron Niño Elefante y Pantro Puto en las guitarras, Chatrán Chatrán en los teclados y Doctora Muerte en la batería. Todos seudónimos de una agrupación que solo aspiraba a sacar un disco de manera profesional. Así es como durante toda la década pasada se convirtieron en una de las bandas más prolíficas de Argentina. Lanzaron EP tras EP e incluso una trilogía conceptual compuesta por Navidad de reserva (2005), Un millón de euros (2006) y Día de los muertos (2008), que los catapultó como uno de los referentes del indie gaucho. Sí… siempre de manera independiente, porque hasta su propio sello discográfico tienen.

¿Qué tan difícil les resultó ser una banda nueva?
Bastante. Fue difícil porque económicamente el país salía de una crisis importante en el 2004. También sucedió la tragedia de la discoteca Cromañón y ese fue un golpe terrible para todo el ambiente del rock. No había dónde tocar. Todo estaba en contra. Pero creo que nos ayudó el hecho de que nunca tuvimos aspiraciones muy altas. Nuestra meta era simplemente sacar un disco, editarlo y hacerlo de manera profesional. Y sucedió gracias a la UMI (Unión de Músicos Independientes de Argentina), porque empezamos todo de cero. La respuesta de la gente fue muy grata porque entendían que era un sonido nuevo en el país. Teníamos una audiencia pequeña pero que ha ido creciendo con el tiempo.

Algo particular de ustedes es el uso constante del formato EP…
Creo que usarlo nace del fanatismo propio de bandas como Sonic Youth o Yo La Tengo, que también son amigas de este formato. Te permite, dependiendo de la idea que tienes, hacer discos con una temática muy puntual, con una línea muy específica.

Y en ese formato nace la trilogía que los convirtió en referentes del nuevo sonido argentino…
Los tres discos forman una gran obra de tres etapas. El primero es un disco navideño que está emparentado con el nacimiento. Se me ocurrió hacerlo tras escuchar algunos discos navideños de los Beach Boys. Decidí mezclar eso con una estética más regional y trasladarlo a una realidad más propia. El segundo hace referencia a la vida. El tercero se hizo cuando estaba en boga todo el tema del fin del mundo. La idea era agrupar las canciones de forma temática… y fue divertido hacerlo.

La paradoja que encuentro en la trilogía es que para ustedes la vida es “un millón de euros”…
Sí (risas)… hicimos un juego de palabras. Los euros son los nuevos dólares, pues. Y el ser millonario materialmente no implica serlo espiritualmente, ni mucho menos artísticamente. Es una ironía y a la vez una contradicción.

NUEVOS DISCOS, NUEVAS DROGAS

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Con todo ese background encima, lanzan Dinastía Scorpio.  Para variar, otro nombre enigmático.
No teníamos un nombre puntual para este último disco. En un momento queríamos ponerle El magnetismo, porque el álbum arranca con esa canción. Sabíamos que queríamos jugar con un concepto que no quede muy claro, con un halo de misterio. A partir de esa idea, se me ocurrió pintar para la portada del disco la escena de una premiación muy bizarra. Mira… seguramente plasmaremos en una historieta o en algún texto el verdadero significado de la Dinastía Scorpio. Cuando lo encontremos (risas).

¿Qué tan difícil fue lanzar un disco de larga duración después de ocho años?
Lo que pasa es que nosotros tomamos la salida de los EP como discos de larga duración y la gente también lo entendió así. Siempre tuvimos la idea de lanzar un nuevo disco grande, pero todo se retrasó por los viajes a Europa. Grabamos recién las maquetas a fines de 2010 y empezamos a darle forma a las canciones en plenas grabaciones del 2011. La idea era que salga a mediados del 2012, pero se complicó también. Igual, aquí estamos.

Como dice una de sus nuevas canciones: “nuevos discos, nuevas drogas”. ¿Están pensando ya en el futuro?
Puede ser, pero hemos demorado ocho años para sacar un disco largo como para no promocionarlo como se debe. Estamos pensando en hacer videos y aclarar el concepto de Dinastía Scorpio. Eso sí, queremos volver al formato EP para jugar un poco con una faceta más experimental. Todo eso siempre y cuando no nos detenga ningún policía motorizado en el camino.

Escucha su más reciente disco, Dinastía Scorpio, aquí:

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La radio había llegado al Perú unos 35 años antes de esas iniciales transmisiones rockeras. La primera estación radial OAX-AM emitió su señal por primera vez el 15 de junio de 1924, lo que concretaba el sueño de muchos limeños de poder tener este medio de comunicación a su disposición. La llegada de tan vital medio de comunicación fue una iniciativa privada que dependió mayoritariamente de la venta de los costosos radiorreceptores Marconi. Esto hizo que esa primera emisora no pueda competir con los espectáculos nocturnos que se realizaban en nuestra capital y finalmente quiebre. En 1926 pasó a manos del Estado y actualmente la conocemos como Radio Nacional.

Hacia los años cincuenta todo había cambiado. Se vivía la época dorada de la radio en nuestro país y cientos de hogares peruanos la sintonizaban a diario para entretenerse. En ese contexto aparece la figura de Sergio Vergara, un discjockey chileno de padres peruanos que empezó a conducir programas radiales desde 1956 en la estación Victoria. Por entonces, el mambo, la guaracha, el dengue y la música criolla se habían apoderado del dial peruano, mientras que en el resto del mundo la fiebre por el rock and roll de Elvis y Bill Halley y sus cometas ya se había iniciado. Así fue como en 1959 nació el programa pionero del género musical rebelde: “Sesiones del rock and roll”. Cuando don Sergio comenzó con su espacio radial de rock peruano, acusó la falta de grupos nacionales para promocionar y apeló a programar los éxitos de artistas internacionales como Paul Anka, Neil Sedaka y The Ventures. Lamentablemente, Vergara falleció en marzo pasado a los 85 años de edad, sumido en el olvido de las actuales generaciones de radioescuchas.

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¿Cuántas bandas de rock peruano existen en la actualidad? Responder eso parece algo utópico. Pero si preguntamos cuántas de ellas suenan en la radio, la respuesta no solo se reduce, sino que incluso alguien podría atreverse a nombrar una por una a las privilegiadas. Más de cincuenta años después de “Sesiones del rock and roll” las emisoras continúan programando los hits mundiales, a pesar de la enorme cantidad de grupos y producciones nacionales. Tremenda paradoja.

Cansados de esta situación, el productor audiovisual Percy Céspedez junto a Walter Cobos (Ni Voz Ni Voto), Piero Campaña y Alexei Vásquez decidieron, a través de las redes sociales, emprender una campaña para conseguir firmas y solicitar al Congreso la revisión de la vigente Ley de Radio y Televisión, la cual exige a los medios de comunicación la emisión de un 30% de producción nacional mínima dentro de su programación diaria. Lograron obtener más de 12,700 firmas hasta el cierre de esta edición.

“Esto se inició con el video de la canción Rockstar rebelion de Ni Voz Ni Voto, donde se denuncia el letargo de las radios. Ahí empezó esta petición que se está haciendo extensiva a cualquier tipo de música y que involucra dos cosas: la exposición del artista nacional en los medios y el cambio de contenido en ellos, porque estamos aburridos que por más de 20 años nos programen las mismas canciones”, afirma el conocido videasta Percy Céspedez, nominado al Grammy Latino por su trabajo.

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“Me apasiona el rock y el pop, por eso decidí solicitar estas reuniones con diferentes programadores radiales para hacer un programa con esos géneros por su poca difusión”, agrega Wayo. “Tras esa primera negativa casi insultante, me respondieron de Radio Oasis para conversar. Percy Céspedez me acompañó. Nos juntamos con los directivos de la mencionada emisora, pero afirmaron que el rock peruano no genera audiencia y que no representaba un buen negocio, porque los auspiciadores ven números. Es decir, les convenía más repetir una canción por 25 o 30 años y que se quede en el subconsciente de la gente. Salimos deprimidísimos”.

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Desde el 2010, Edu Saettone y Marcial Rey “El Marshall” conducen el programa “Solo por Hoy” a través de Radio Oasis, emisora especializada en el rock y pop de los años ochenta, noventa y actual. Ambos han promovido de manera espontánea el rock peruano, con entrevistas a músicos nacionales e incluso invitándolos a tocar en vivo en formato acústico. En la quincena de marzo pasado, coincidiendo con la atención generada por la cantidad de firmas recabadas por Percy Céspedez y compañía, anunciaron la salida al aire de un programa de una hora dedicado exclusivamente al rock peruano:“Rock & Pop Hecho en Perú”.

“El proyecto se inició en 2012 y no es una respuesta a la movida generada a través de las redes sociales. Todo suma, pero ha sido una coincidencia”, aclara Saettone. “Cuando renovamos contrato con Oasis, pusimos como requisito la creación de un espacio dedicado a la música hecha en Perú. Somos músicos antes que nada y sabemos cuáles son las bandas que ahorita están sonando en el país… las que tienen potencial, canciones con gancho. Sobre esa base tomaremos la decisión de programarlas”.

“Yo toco en Kanaku y el Tigre, Los Stereotrips y Los Yacks. Sé lo que es poner de mi propio billete para sacar un disco y luego no encontrar ni una ventana para difundirlo”, agrega “El Marshall”. “La preocupación es genuina, no es de dos patas que se suben al coche. Éste es un programa de una hora en el que no se pueden poner más de 10 canciones. La selección de canciones se da en un 50/50: las que se han venido programando y las de las nuevas bandas que han aparecido en la movida local. Eso sí… yoestoy dentro del grupo de gente que está reclamando”.

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—(Silencio por cinco segundos)
—¿Cuáles son los criterios con los cuales ustedes determinan qué es y qué no es “producción nacional mínima”? —repreguntamos, ante la falta de respuesta.
—(Silencio)

La vigente Ley de Radio y Televisión señala que “los titulares de servicios de radiodifusión deberán establecer una producción nacional mínima del treinta por ciento de su programación, en el horario comprendido entre las 5:00 y 24:00 horas, en promedio semanal”. Según Miriam Larco, secretaria técnica del Consejo Consultivo de Radio y Televisión (CONCORTV), la ley no presenta un glosario de términos y el Ministerio en cuestión no ha trabajado en ello, lo cual dificulta la interpretación de la misma. Un grave problema en términos de legalidad.

Walter Cobos, promotor de la reforma de la Ley, señala: “El problema con el término ‘producción nacional mínima’ es que las radioemisoras han interpretado que cualquier programa que producen son parte de este 30% que exige la ley”, explica. “Lo que pedimos es que se especifique el término ‘contenido’. Una especificación que no depende de las radios, sino del MTC que tiene la competencia para evaluar este asunto”.

De acuerdo a los cálculos de Cobos, estas “Radios Rock FM” deberían transmitir un aproximado de 5 horas y 42 minutos de rock nacional en tiempo neto. “Las radios deberían difundir aproximadamente 1 canción de artistas peruanos por cada 2 extranjeros, para empezar. Hay mucha oscuridad legal al respecto”, indica el músico y abogado.

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Pero, ¿las radios son las únicas culpables? ¿Qué hay de la audiencia que aún exige la programación de música inactual? Encontrar a los ‘culpables’ sería igual que tratar de responder quién fue primero, el huevo o la gallina. Lo único cierto es que ya se emprendió un reclamo legal ante esta situación y todo dependerá de cómo proceda el Congreso de la República frente a esta problemática que abarca todos los géneros y no únicamente al rock. Otro dato: actualmente, Radio Victoria es una radio cristiana que se resiste a morir en la AM. Quizás ese sea el presagio de que el Dios delrock peruano iluminará a quienes tenga que iluminar para que la música que se hace en nuestro país tenga la adecuada difusión radial. Amén.

Imagínate que estás en el año 4,347 en una discoteca, tomando tragos fosforescentes y tratando de gilearte a un robot. ¿Qué música estarías escuchando? Sin duda, debería ser Daft Punk, electrónica con un peculiar estilo progresivo.  Casi ocho años después de su última producción, acaban de revelar el nombre de su nuevo bebé y cuándo vendrá al mundo.

Daft Punk , el dúo francés conocido por hacer sonidos rarísimos que se mezclan creando una inusitada armonía digital, lanzó su primer disco, Homework, en 1997, convirtiéndose en el grande representante del house french de los noventa, música disco con un toque de funk y características propias de la escena dance parisina de la época.

Around the world fue su sencillo más famoso y exitoso, además de inusual porque el título se repite durante toda la canción. Aun así, este tema ha sobrevivido a sus 16 años de creación y sigue siendo preciso para que tus amigos borrachos improvisen una coreografía al estilo de androides.

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La agrupación conformada por Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter, luego traería otra grata sorpresa, Discovery, disco que salió a la venta recién en 2001, pero resaltando también otros temas no menos memorables como Harder, Better, Faster y One more time. Para el 2005 ya tenían listo Human after all, su tercer disco de estudio, concebido en solo seis semanas de inspiración, un cortísimo tiempo comparándose con lo que habían demorado las otras producciones.

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La crítica no se hizo esperar y todos parecían coincidir en lo repetitivo de su música, en la aplicación de la misma fórmula y sobre todo, en el hecho de que sea tan mecánico como siempre, sin mostrar lo “humano” del título.

Ocho años después, los reyes de los espectáculos en vivo han regresado. Si bien no a los escenarios, donde se presentaban con deslumbrantes efectos especiales y disfraces de robots, por lo menos sí a la escena musical. Luego de varios meses de intriga, de información filtrada  y de mensajes para despistar, Daft Punk hizo conocido un fragmento de 15 segundos de una nueva canción durante un comercial de Saturday Night Live, el pasado sábado 2 de marzo en la televisión norteamericana.

Pero eso no es todo, ya dieron a conocer la carátula del Random access memories, sucesor de Human after all, y la fecha en la que será lanzada. Random access memories será lanzado el 20 de mayo de este año en el Reino Unido y por el adelanto que se ha escuchado, parece que evoca el estilo de Discovery y Homework que tanto se extrañaba. Así que la espera cada vez se hace más corta para los fanáticos y para los que quieran hacer su reserva de una vez, ya está disponible por pedido para varios países… aguanta, no está Perú.

Vender en el Perú 10 mil copias de un disco no es tarea sencilla. Y mucho menos que después de ese logro no muchos conozcan tu cara. Tras dos años consecutivos como el álbum más requerido del Perú, Kuntur, disco debut del destacado compositor Lucho Quequezana, será presentado nuevamente en dos imperdibles conciertos este 16 y 22 de febrero, eventos que contarán con la participación especial del músico vietnamita Huu Bac Quach, parte de su proyecto Sonidos vivos. Conversamos con el gran músico nacional sobre eso y sus proyectos futuros, como su segundo disco, que saldrá a la venta en este 2013.

¿Cómo tomas el suceso en que se ha convertido tu primer disco?
Pues, como todo lo que he vivido en mi carrera. Yo empiezo mis proyectos sin ninguna pretensión. Todo este suceso es una consecuencia de mi chamba. Claro que recibir un premio siempre es muy bonito y todo, pero de eso no depende mi trabajo. Si no se vendía ningún disco, yo igual iba a seguir chambeando porque no compongo música para vender. Simplemente, esto es una respuesta a todos los años de esfuerzo que me ha tomado llegar hasta este punto.

Pero vender más de 10 mil discos en el Perú, algo inimaginable para un disco debut nacional, ¿a qué lo atribuyes?
Créeme que he tratado de encontrar una respuesta lógica a cómo funciona la industria musical en el Perú. Una industria que en realidad no existe o que es muy pequeña aún. Es gracioso, porque casi siempre me dicen que mi música no es comercial. Pero yo me pregunto… ¿qué es comercial? ¿No es vender más discos? (risas) No hay lógica. Me parece increíble y extraño todo lo que me ha pasado, aunque como reitero… en mi cabeza solo tengo presentes mis proyectos.

Al contrario de cualquier músico nacional, tú has hecho el camino a la inversa…
Exacto. Aquí se suele ser mediático primero para que tu música y tu rostro sea conocido. En mi caso, luego de vender miles de discos, mucha gente no sabía ni cómo era mi cara. No tenía idea de cómo me veía. Eso me parece genial. Creo que ese es el sueño de cualquier artista que realmente ama la música… porque uno no se mete a la música para ser famoso. Aunque todo es válido, no es que esté en contra de eso tampoco.

De alguna manera… ¿el éxito de Kuntur te ha puesto una valla alta para lo que será tu próxima producción?
No, para nada. El próximo disco, que saldrá a la venta durante este año, es un poco distinto a mi primer álbum. Es decir, me mantengo en la misma onda musical, pero le agrego matices diferentes. Kuntur lo grabé yo solo hace 9 años… porque no tenía ni un mango para pagarle a otros músicos (risas). En este nuevo material, he contado con la ayuda de muchísimos amigos. Mira… yo solo quiero hacer mi música y compartirla.

Hablando de amigos. Estás reponiendo la presentación en vivo de Kuntur junto al músico vietnamita Huu Bac Quach…
No solo un amigo, sino un gran intérprete. Él ama la música peruana y sobre todo la quena y el charango. Tanto así que incluso grabó esos instrumentos para la música del show Totem del Cirque du Soleil en el 2010. Así que desarrollaremos un show de música instrumental bastante atractivo para los que disfruten del género.

La música instrumental tiene un encanto diferente, aunque muchos creerían que podría resultar algo aburrida…
Así es, el común denominador podría creer eso. Pero sucede todo lo contrario. Nuestros conciertos son una bomba y es bien loco porque ves cómo reacciona el público ante la ejecución de nuestra música. La conexión es increíble. Cuando la gente sale de los conciertos me comenta que nunca se dieron cuenta de que hacemos música instrumental. Algunos también me dicen que viven el show como si fuera un concierto de rock (risas).

¿Y tú crees que tus canciones serían diferentes si tuvieran letras?
Sí, bastante. Yo no escribiría letras. Lo que pasa es que mi música es bien narrativa. Me gusta contar historias a través de las canciones. Lo genial de la música instrumental está en que cada uno se puede imaginar su propia historia a través del sonido. No creo que haya nada más paja. Es como un soundtrack libre… cada uno le pone el guión a esa película sonora.

Cuándo: 16 y 22 de febrero
Dónde: Teatro Rímac de Asia (16/02) y Teatro Peruano Japonés (22/02)
Entradas: Teleticket de Wong y Metro

… estaban de parranda. Y es que después de conseguir el éxito, muchas bandas y músicos solistas suelen tomarse alguno que otro descanso entre disco y disco. Claro, en algunos casos, pueden tardar algunos meses para lanzar su siguiente producción discográfica o, como es el caso de los artistas que te presentaremos en esta lista, incluso décadas. Bueno fuera que Susy Díaz pensara igual…

EL ZIGGY ESTÁ DE VUELTA
David Bowie – The Next Day (2013)

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SONRIENDO POR EL REGRESO
Brian Wilson – SMiLE (2004)

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¿KILL BILL?
Bill Fay – Life is People (2012)

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SI EL PUEBLO LOS PIDE…
Guns N’ Roses – Chinese Democracy (2008)

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NIÑA PRODIGIO
Björk – Björk (1977)

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RESURRECCIÓN DIGITAL
The Beatles – Anthology 1 (1995)

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DE LO NUEVO, LO MEJOR
Leonard Cohen – Ten New Songs (2001)

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A JUGAR CON LAS MUÑECAS
New York Dolls – One Day It Will Please Us to Remember Even This (2006)

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LAS MÁQUINAS CONTRAATACAN
Kraftwerk – Tour de France Soundtracks (2003)

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[BONUS TRACK]
My Bloody Valentine – M B V (2013)

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Era el 8 de febrero del 2012 cuando Luis Alberto Spinetta partió repentinamente de este mundo. Claro que él nunca fue de este planeta. Tenía, más allá del talento musical, una perspectiva diferente a cualquier artista. Y es que el “Flaco” ha dejado un legado para la posteridad, a través de sus más de 40 años dedicados a lo que más amaba: la música. Por eso, a un año de su partida, te presentamos cinco razones por las cuales deberías escucharlo  y considerarlo -al igual que nosotros- inmortal.

MUCHACHA ETERNA

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PESCADO REVOLUCIONARIO

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¿ANTONIN… QUIÉN?

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EL EQUILIBRIO EN UNA BANDA

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EL EQUILIBRIO EN SOLITARIO

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No es que no se quieran. Todo lo contrario: los integrantes de la banda estadounidense The Killers siempre han manifestado una unión que se refleja en su exitosa carrera. Claro está que esto no ha impedido que cada uno de ellos decida emprender proyectos solistas. Aquí te presentamos algunos de estos trabajos en solitario, previo a la segunda visita de la banda a nuestro país el próximo 4 de abril. No te preocupes, siguen juntos… a menos que se aparezca una Yoko.

¡NO TE VAYAS BRANDON!
Brandon Flowers (vocalista)

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Algunos creyeron que el principio del fin de The Killers llegó cuando Brandon Flowers lanzó su disco solista, Flamingo, en setiembre del 2010. Pero simplemente fue la apuesta del vocalista durante el descanso que el grupo había decidido tomar en el 2009. Con más de 41 mil copias vendidas, Flamingo debutó bastante bien en los charts internacionales e impulsó la imagen de Flowers a niveles insospechados. Crossfire fue la canción elegida como sencillo promocional.

DE POCAS PALABRAS
Ronnie Vannucci (baterista)

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Aparte de encargarse de la percusión en The Killers, el baterista Ronnie Vannucci decidió emprender una aventura paralela: Big Talk, un proyecto en el que se aleja de las tarolas y los platillos para hacerse cargo de la voz principal y la guitarra. Junto al músico Taylor Milne, formó este dúo que ya presentó su primer disco homónimo en el 2011, del cual se desprende el sencillo Replica, cuyo video puedes ver en esta cápsula.

EN OTRA VIDA, QUIZÁS
Mark Stoermer (bajista)

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Dos años de componer canciones en hoteles y de grabar demos en su laptop personal fue lo que necesitó el bajista Mark Stoermer para concretar su primer álbum solista Another Life, lanzado al mercado norteamericano en noviembre del 2011. Doce canciones componen este primer trabajo que fluctúa entre el rock alternativo y el psicodélico por momentos, una de las cuales podemos escuchar en el videoclip que acompaña estas líneas: Weary Soul.

CON UNA AYUDITA DE MIS AMIGOS
Dave Keuning (primera guitarra)

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Es uno de los coautores de los más grandes éxitos de The Killers, pero aún no se ha animado a lanzar proyecto solista alguno. Sin embargo, ha colaborado con un solo de guitarra en la canción Welcome to Fabulous Las Vegas del disco en solitario que lanzó Brandon Flowers. Además, en el 2012, participó en la grabación de guitarras de la canción Wander (video de arriba) del dúo norteamericano We Are Hyena.

Luego de ver el video de Nuevo amanecer de la Tigresa del Oriente, Gringo chikchisiki, de la Flor de Huaraz y el gringo Karl y La tetita de Wendy Sulca (por si acaso nos referimos a su canción), pensamos que no podíamos ver nada peor. Sin embargo, el mundo es ancho, ajeno y bizarro. Encontramos algunos videitos que dejan a los de los peruanos como candidatos a un MTV Video Music Awards. Advertencia,  algunos pueden resultar chocantes y hasta pueden herir tu susceptibilidad. Sí, a ti, alucina…

SÚBETE A MI MOTO… MEJOR NO
Met Romana op de scooter (Zanger Rinus)

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Mi mamá borracha baila mejor que los protagonistas de este bodrio caserazo. Se hizo tan popular el videoclip que hasta el Huffington Post le dedicó una nota a Zanger Rinus (Cantante Rinus en holandés) por su éxito Met Romana op de scooter que se lanzó en el 2011, en el que aparece con su flac… bueno, con su pareja. Sin embargo, la reconocida carrera musical de Rinus empezó en el 2009 con su tema Hey Marlous, una adaptación del popular tema holandés Schöne Maid (donde también aparece su musa inspiradora). Si por algún extraño motivo te entraron ganas de conocer más acerca de este personaje, puedes encontrarlos en su página de Facebook y luego visitar a un siquiatra.

CASI CONGRESISTA
Mrazish (Azis)

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Desde que les mostré este video a mis amigos, les he quitado las ganas de comerse un Jet por el resto de sus vidas. Las imágenes muestran a un grupo de musculosos búlgaros ligeros de ropa, en un espectáculo de contoneos, movimientos sugerentes, una perfecta manicure francesa, frutas, vino y todo sobre un blanco impecable. Te sugiero que si la fresa es de tu favoritas, nunca le des play a este video, aunque fácil el morbo te ganó y ya lo hiciste. Te lo advertí. Como dato curioso, este loquillo, que parece la versión más disforzada de Djibril Cisse, quiso entrar al Parlamento Búlgaro –al más fiel estilo Susy Díaz–, pero no le alcanzaron los votos.

EL PATA PATA DE MOZAMBIQUE
Pata pata (Jose Castelo Branco)

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Al ver el video de  este mozambiqueño me doy cuenta de que fue muy mala idea haber hecho esta lista y me arrepiento profundamente de haberle dado al rectángulo rojo. Pero ya que lo hice, espero que ustedes también caigan y lo vean. Unos bailarines exóticos con calzoncillos de piel de leopardo bailan con movimientos de muñequitas de ballet solo para recordarnos que si el mundo no se acabó el 21 de diciembre,  debe ser solamente porque Papá Grande se está burlando de nosotros. También encontrarás danzantes con faldas hechas con plátanos y oirás, en el 0.54 m, cómo Jose Castelo Branco cambia su voz como una de las viejas pitucas de La Molina.

¡CHINGA TU MADRE, VAN HELSING!
Soy vampiro (Galatzia)

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Catalogado como un ícono de lo Kitch, Galatzia ni siquiera es de este planeta, viene de Escrotox y, en este video, por ejemplo, es un vampiro buena onda que no tiene nada que ver con Drácula ni Twilight. ¿Qué tan bizarro es el video? Bueno, tiene una escena en la que bebe sangre del…, cómo decirlo, directamente del “monte de venus”. Pero tiene otros “éxitos” conocidos mundialmente, como Tachas y Perico, Mi cuerpo es touchscreen y  Me enamoré de un avatar. En una entrevista, Galatzia dijo que escogió venir a la Tierra porque es el planeta que camina más lento hacia la evolución y su deber es darle mensajes a la humanidad. Gracias Galatzia, agradecemos tus buenas intenciones, tu peluca a lo Katy Perry y tu dejo argentino. Después de todo, si tal como afirma, Tachas y Perico significa amor y paz y no drogas como en México, el país donde actualmente reside, no nos viene tan mal una dosis suya. ¿O sí?

EL ORGULLO DE JAPÓN
Yatta! (Green Leaves)

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No es raro encontrar canciones juveniles llenas de optimismo, aunque la imagen de seis jóvenes japoneses cantando y saltando coreográficamente en calzoncillos con hojas a la altura de los genitales… quizás haga que el optimismo se te vaya. El grupo Green Leaves –en más que clara referencia a su indumentaria– con su tema Yatta! afirma ser el orgullo de su nación y creer firmemente en un mañana mejor. Qué podías esperar de los japoneses…

UN ESPAÑOL CABEZA DURA
Cumshot (Brody)

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Este muchacho ya cuenta con cuatro temas en su haber:  Mi abuela es DJ –acepta que lo envidias por eso–, Tócame el Windows, Irene tiene pene y Cumshot (cuyo video hemos posteado). Lo más bizarro no es el nombre del tema, que esté vestido de bola de discoteca, que baile rodeado de otros tipos o de un cura muelón, sino que aparezca con una erección durante todo el video.  Pero Creemos que Tócame el Windows es sin duda su obra maestra: poesía en bruto, y todo un homenaje a la era tecnológica (Yo soy el disco duro del amor, sexo duro por el tubo). Recontra pegajosa, no te la sacarás de la cabeza en un par de horas y hasta querrás aprenderte los pasos para la próxima borrachera en la que se te ocurra ser el centro de atención. A propósito, Brody, no te caerían mal unas clasecitas de baile.

SALCHICHA CON MARISCO
Unbreakable (Conchita Wurst)

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A ver, no canta nada mal y su video es solo una presentación en vivo. Si no le has dado clic al enlace, seguro nos preguntarás ¿por qué incluimos a Cochita Wurst en este ranking? Bueno, la traducción de su apellido, Wurst (salchicha), sumado a su nombre (Conchita) te pueden dar una idea. Conchita usa un vestido de noche, tiene un cabello sedoso que le cae por los hombros, un par de ojos sensuales y una tupida barba… Sí, como lo lees. ¿había necesidad de que se deje la barba así? Por lo menos no le faltaron huevos (hablamos figurativamente, pues no sabemos si se ha operado) para salir así en el programa de búsqueda de talentos de la televisión austriaca.

Ritmos innovadores e investigación sonora. Así podemos definir el trabajo realizado por los DJ argentinos Chancha Vía Circuito y Villa Diamante, quienes han logrado fusionar los más impensables elementos en una serie de proyectos musicales que han cosechado elogios de la prensa especializada internacional. Conversamos con ellos aprovechando esta nueva visita a nuestro país donde se presentarán el viernes 11 de enero en el Dragón del Sur.

RECOGIENDO EL SONIDO
DJ Chancha Vía Circuito

¿Qué te brinda la electrónica como lenguaje musical que no encuentras en otros géneros?
La música electrónica te da un abanico de posibilidades tímbricas que no tenés con
los instrumentos tradicionales. Justamente, la idea es generar sonidos que no existían antes dentro de la naturaleza y en ese mundo artificial electrónico podemos encontrar cosas que suenan bastante orgánicas que se complementan muy bien con lo natural. Se abre mucho el campo de posibilidades sonoras.

Entonces, no descartas los sonidos naturales…
Me encanta descubrir cosas nuevas. Viajo recolectando sonidos por Latinoamérica para usarlos en mis producciones. Por ejemplo, en mi último viaje a la selva amazónica, me di cuenta de que ciertos bichos generaban sonidos que no parecían de este mundo, son casi extraterrestres. Un simple insecto puede generar eso. Es muy amplio el espectro.

¿No es un espectro sonoro prácticamente infinito?
Infinito, así es. Pero lo bueno es que cuando recolectas esos sonidos puedes procesarlos electrónicamente y trabajarlos de manera complementaia para producir los tracks finales.

¿De ahí que tu última y elogiada producción Río arriba lleve ese nombre? ¿Es parte del concepto del disco?
El nombre no fue elegido particularmente por la búsqueda sonora a partir de mis viajes por Latinoamérica. Tiene más que ver con el hecho de ir cuesta arriba musicalmente… es decir, yendo contra la corriente. Como el salmón.

EXPERIMENTANDO Y BAILANDO
DJ Villa Diamante

¿Sientes que la electrónica te permite explorar paisajes sonoros más amplios?
Sí, es lo que se consigue con el mashup (mezcla de géneros musicales)… la idea es congeniar mezclas en las que estén presentes diversas expresiones. Puedo juntar al rock, con la cumbia, con el hip hop, con el folklore, con el dubstep… juntar sonidos netamente latinoamericanos con algunos que pueden llegar de otras culturas como la británica, por ejemplo.

Y eso se refleja en los sets que preparas para tus presentaciones…
Claro. Trato de que mis sets sean viajes por la cultura pop concebida por mí… pasando por The Chemical Brothers y llegando hasta Los Mirlos. Procuro jugar con los sonidos de la cultura under también y mezclarlos con algo por ahí más mainstream.

¿Y esa libertad sonora tiene algo que ver con el hecho de que te mueves en una escena independiente… sin presión de disqueras?
Cada uno de los DJ somos artistas. Por ahí la diferencia es que cada disco que producimos independientemente va buscando un camino diferente al anterior, como que va evolucionando. Si escuchas un disco de reggaetón y lo comparas con su predecesor, es prácticamente lo mismo… solo han cambiado un par de cosas. Como nuevas canciones de lo mismo. Nosotros realizamos una búsqueda artística de sonidos y de conceptos rítmicos.

Eso quiere decir que tus sets cambian constantemente…
A mí me gusta trabajar mis sets con el tema de la referencia, que te transporten a cierto momento y lugar de la historia de la música. Que te lleven a diferentes culturas. Por eso me encanta trabajar con los mashups porque me dan la posibilidad de crear una especie de mapamundi sonoro. Hacer recorridos musicales.

Cuándo: 11 de enero
Dónde: Dragón del Sur
Entradas: Chicas libre hasta las 11:30 PM
Facebook: http://www.facebook.com/events/249402081858135/

Hubo un tiempo en que la psicodelia llegó a la Amazonía peruana para ser testigo del nacimiento de un género musical que parece inmortal: la cumbia amazónica y psicodélica. Casi cuatro décadas después, los protagonistas de toda aquella movida sonora se han juntado para formar Cumbia All Stars, el supergrupo que este jueves 3 de enero hará bailar a los asistentes a La Noche de Barranco. Conversamos con Lucho Carrillo (voz), Héctor Bustamente (guitarra) y Manuel Pecho (bajo) sobre este concierto que además servirá para grabar su próximo videoclip.

¿Cómo es que casi cuarenta años después de pertenecer a la movida musical de la cumbia deciden juntarse de nuevo para tocar?
Héctor: Bueno, tampoco es que nos hayan sacado del sarcófago. Yo llamaría a esto un reencuentro, porque nos hemos mantenido en la actividad musical y tocando en cuanto evento se nos requería.
Lucho: Sí, todo esto parte de una iniciativa de nuestro mánager José Rodríguez, quien decidió buscar un buen grupo de cumbia para el Festival Selvámonos del 2012, del cual forma parte del equipo organizador. Como nos cuenta José, no había uno que realmente los convenciera y así fue como decidieron juntar a diferentes miembros de las bandas setenteras de cumbia como Beta 5, Juaneco y su Combo, Los Destellos, entre otros.

Debe haber sido bastante difícil convocar a tantos músicos…
Héctor: Cuatro meses antes del festival fue que nos juntamos y corrimos a ensayar para grabar un demo con fines promocionales. El representante de Los Destellos, César Casas, nos ayudó en la convocatoria ya que conocía a muchos músicos de la época. Al principio, se juntaron a 20, de los cuales hemos quedado 8.
Lucho: Hay que aclarar que aquí nadie toca mejor que otro. Cada uno tiene su propio color, su propio estilo, pero con un mismo feeling. Se quedaron los que tenían voluntad, los que no… se fueron solitos.

¿Y qué color les parece que tienen las nuevas bandas de cumbia que han ido apareciendo en estos últimos años?
Manuel: Yo creo que antes el sonido era más puro. Escucho mucha secuencia digital últimamente y no se puede sentir el feeling de tocar antes, cuando lo fundamental es sentir la vibración de la música ejecutada en vivo.
Lucho: Personalmente, creo que la tecnología tiene mucho que ver con ese cambio sonoro. Antes tenías que llevar la batería y cargarla a todas las presentaciones. Ahora casi todos utilizan la batería electrónica y el sonido está digitalizado. Otra cosa que creo que ha variado es el uso de la púa para tocar la guitarra. En nuestra época, se solía tocar con los dedos y eso le da un sonido diferente. Suena más como lata ahora.

¿Sienten, entonces, que la tecnología le ha restado un poco al género?
Héctor: Creo que en un género musical como el nuestro es importante sentir la percusión tal cual se interpreta. Solo así se puede sentir el ritmo de manera adecuada, algo que quizás una secuencia o la batería digital no te transmite. En nuestra participación en el último Selvámonos, nos tocó salir al escenario después de una banda de rock. Ni bien empezamos a tocar, la gente ya se estaba moviendo sin parar. Esa es la esencia de la cumbia.

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Para ustedes, ¿hay un resurgimiento de la cumbia o siempre estuvo y solo se ha vuelto más comercial?
Lucho: Yo creo lo segundo: se ha vuelto más comercial. Aunque déjame decirte que, en estos tiempos, a los compositores ya no le salen las letras al amor, a la vida. Ahora suelen hablar del alcohol, de que se van a matar y ciertas cosas negativas y así no es la cosa.
Héctor: Desde los sesenta en adelante, hemos plasmado en el acetato el sentimiento de cada uno de nosotros en diferentes facetas. Cada grupo se caracterizaba por tener su propio estilo y los temas que se creaban eran alusivos a las cosas importantes de la vida. Eso ha cambiado.

Entiendo que la cumbia actual no les gusta mucho, entonces…
Manuel: No se trata de eso. Si no fuera por los grupos de ahora, la cumbia hubiera permanecido con un perfil bajo. Gracias a ellos se ha vuelto a poner en boga.
Lucho: Ciertamente hay una gran diferencia entre lo que hacíamos y lo que se hace. El sello personal de cada banda era algo que no se puede dejar de recordar. Escuchabas la guitarra de Enrique Delgado y ya sabías que era una canción de Los Destellos. Se reconocía con solo escucharse. Siento que ahora todo suena igual… el Grupo 5, Néctar… me parece que es una gran orquesta divida nomás. Aunque igual los felicito.
Héctor: Se siente la diferencia, sobre todo en las letras. A veces, parece que cantaran al culo (risas).

Y ahora se presentarán en La Noche de Barranco. ¿Cómo se sienten al ver que las nuevas generaciones disfrutan con su legado musical?
Lucho: Es una cosa impresionante. Llegar a tantos jóvenes, gente a cuyos padres hemos hecho bailar y disfrutar con nuestras interpretaciones… es una locura. Trascender de esa manera, a punta de música, es increíble.
Héctor: Por eso los esperamos a todos este jueves 3 de enero en este primer concierto del año, el cual aprovecharemos para grabar un videoclip promocional. Así que todos a desempolvar sus camisas floreadas y guayaberas para darle el toque de color a esta presentación.

Cuándo: 3 de enero
Dónde: La Noche de Barranco
Entradas: S/. 10.00
Facebook: https://www.facebook.com/events/143266732488757/

¿Cansado de escuchar las mismas canciones sin cesar en todas las épocas navideñas? Y no hablamos de los infernales sonidos de las luces, sino de los villancicos que seguramente tu abuelita te enseñó a cantar cuando aún creías en Papá Noel. Así que aquí te presentamos unas interesantes alternativas para variar el repertorio antes de que lleguen las 12 de la medianoche. Sí… sí… y Feliz Navidad a todos.

MELANCOLÍA NAVIDEÑA
Christmastime (The Smashing Pumpkins)

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El buen Billy Corgan se encargó de escribir esta canción para el compilatorio “A very special christmas 3“, una serie de discos realizada a beneficio de las Olimpiadas Especiales de 1997. “La Navidad ha llegado, habrá regalos para todos”, dice la letra. Un año después lanzaría el discazo Adore con las calabazas, así que, se tardó  docemeses pero no se equivocó.

¿PAPÁ NOEL O PAPÁ NOICO?
Santa Claws is coming to town (Alice Cooper)

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Como parte de otro compilatorio navideño titulado apropiadamente We wish you a metal Xmas and a headbanging New Year, Alice Cooper se mandó con un oscuro cover de la tradicional canción Santa Claus is coming to town, que francamente parece sacado del mismísimo infierno. En este recopilatorio navideño del 2008 también aparecen Ronny James Dio, Dave Grohl, entre otros capos del hard rock y metal.

NAVIDAD ENTRE PATAS
The Christmas song (Arcade Fire)

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Antes de ser conocidos a nivel mundial y de ser una de las bandas revelaciones de la década, los muchachos de Arcade Fire solían pasar unas navidades bastante bizarras. Así lo demuestra el EP A very Arcade Xmas EP, grabado en la Nochebuena del 2001 por algunos miembros del grupo, al parecer después de unas cuantas copas. Son ocho minutos de improvisación de algunos clásicos navideños. Escucha y juzga.

CORRE FORR… NO, ¡RUDOLPH!
Run Rudolph, run (Chuck Berry)

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El amo y señor del rock and roll no podría faltar en esta lista. El genial Chuck Berry se mandó con su versión bluseraza de Run Rudolph, run, canción que popularizó tras su lanzamiento en 1958. Se parece un poco a Johnny B. Goode, pero ustedes entienden la idea.

NOCHEBUENA EN LA PLAYA
I’ll be home for Christmas (The Beach Boys)

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Esta versión de la tradicional I’ll be home for Christmas, original de Bing Crosby, es simplemente alucinante. Los característicos coros armónicos de los Beach Boys y una orquestación de aquellas hacen de The Beach Boys’ Christmas album, disco de 1964 al que pertenece este cover, uno de los mejores para pasar la Navidad al estilo de la serie Los Años Maravillosos.

DISTORSIÓN Y CHAMPAGNE
The Priest they called him (William S. Burroughs / Kurt Cobain)

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¿Qué podríamos esperar de este par de indiscutibles genios? Era setiembre de 1992 y el novelista se dirigió al estudio para grabar su voz contando la historia de Priest (sacerdote, en inglés), un adicto a la heroína que quería levantarse a alguna flaca en vísperas de Navidad. Luego, Kurt grabaría su línea de guitarra, más distorsionada que nunca, en la que se deja escuchar el fraseo de la tradicional Noche de Paz. ¿Qué más?

VEN A MI CASA ESTA NAVIDAD

Christmas (baby please come home) (U2)

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Una de las canciones navideñas más versionadas de la historia, Christmas (baby please come home) fue grabada por la banda liderada por Bono en 1997 para el compilatorio A very special christmas 3. En el 2008, vería la luz una interesante versión interpretada por The Raveonettes.

NOCHE DE PAAAAAAAAZ

Merry Christmas (I don’t want to fight tonight) (The Ramones)

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Noche de amoooooooor. Bueno, más o menos, de eso se trata esta canción lanzada en el álbum de The Ramones de 1989, Brain drain. “Feliz Navidad, no quiero pelear contigo esta noche”, escribió Joey Ramone para manifestar su sentimiento más navideño, de paz y tranquilidad. O algo así.

UN VALSECITO PARA CELEBRAR

The Christmas Waltz (She & Him)

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Para bajar las revoluciones, nos transportamos a los apacibles acordes y voces del dúo de indie folk She & Him (conformado por Zooey Deschanel y M. Ward), quienes en su álbum del 2011, “A very She & Him Christmas“, se mandaron con esta versión del clásico cantado por Frank Sinatra en 1957. Una canción como para descansar después del pavo.

OJALÁ FUERA SIEMPRE

I wish it was Christmas today (Julian Casablancas)

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El vocalista de The Strokes nos tenía una sorpresa en su álbum solista debut del 2009, Phrazes for the young: una canción con todo el espíritu rockero que se necesita para celebrar estas fiestas. “No me importa lo que digan los vecinos porque la época de Navidad se acerca”, canta el buen Julian. Seguro también revienta cohetones y rata blancas en su barrio.

LA ÚLTIMA DE TODAS LAS NAVIDADES

Last Christmas (Florence + The Machine)

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No es que no nos guste la versión original de Wham!, pero este cover de Florence + The Machine, grabado en vivo en una transmisión de la BBC Radio en las vísperas navideñas del 2009, no está para nada mal. Y es que, a estas alturas del año, y en pleno siglo XXI, preferimos escuchar la voz de Florence Welch que la de George Michael, con el perdón de sus fans.

NOSOTROS TAMBIÉN QUEREMOS ESO

All I want for Christmas (Yeah Yeah Yeahs)

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Parece una parodia… bueno, en realidad no sabemos si lo es. Lo único cierto es que seguramente Karen O quiso dejar en claro que el espíritu navideño de su banda es muy grande (o solía serlo en el 2008, año en que lanzaron este track). La verdad es que los coritos (“Be near, be near, falalala”) que se manda en plena canción son para matarse de risa, sino escuchen ustedes mismos.

WHAT’S UP, PAPA NIGGA?

Christmas in hollis (Run DMC)

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Si hay rock, pop, folk y hasta indie, ¿por qué no hip hop? En 1987, Run DMC lanzó su sencillo navideño Christmas in hollis en 1987 para conmemorar las fiestas. A su modo, claro está. Para hacerlo posible sampleó cuatro clásicos navideños de Clarence Carter, grabados en 1968: Back door Santa, Frosty the snowman, Jingle Bells y Joy to the World. Como para todos los gustos.

¿Y LOS TAMBORES NAVIDEÑOS?

Little drummer boy (The Flaming Lips)

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Gift wrapped Vol. II – snowed in! fue un compilatorio navideño del 2010 que juntó a diversos artistas del sello Warner Bros. Records. Entre ellos, The Flaming Lips, quienes se atrevieron a versionar –muy a su estilo– el clásico de clásicos The little drummer boy. Así escuchamos una guitarra protagonista durante toda la canción y la voz de Wayne Coyne haciendo las veces de batería. A falta de tambores…

SI TÚ PAGAS EL RECIBO DE LUZ…

Put the lights on the tree (Sufjan Stevens)

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El indie se hace presente, aunque Navidad sea “too mainstream“. Sufjan Stevens lanzó entre el 2001 y el 2006, una serie de cinco EP con canciones navideñas para que el hipsterismo mundial celebre con ganas. Precisamente, en el Volumen II, se encuentra Put the lights on the tree, una canción que nos habla de la importancia de las luces en el árbol. Lo preferimos con su impecable álbum Illinoise.

¡A CORTAR EL PUNK-NETÓN!

I won’t be home for Christmas (Blink-182)

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Tom, Mark y Travis también grabaron un corte navideño para estar acorde con las festividades. Apareció como sencillo promocional del compilatorio A santa cause: It’s a punk rock Christmas del 2003 y nos aconsejaba en su letra que hagamos las paces con la gente que no hemos soportado durante todo el año. Quién diría que años después se mecharían y bueno… reunirían de nuevo.

DEJANDO DE ASESINAR POR NAVIDAD

A great big sled (The Killers)

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Un estupendo trineo grande. Así titularon los muchachos de The Killers a esta canción disponible solo por descarga digital en la Navidad del 2006. El track formaba parte de la campaña (RED) emprendida por Bono para la lucha contra el Sida en los países del Tercer mundo. Si quieres ver a una banda entera vestida de duende, esta canción es para ti.

DESDE LIVERPOOL CON AMOR

Wonderful christmastime (Paul McCartney)

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El riff de sintetizador es lo más resaltante de esta canción navideña compuesta por el ex Beatle. Paul McCartney grabó solito este track durante la época del disco McCartney II en 1979. Aunque los miembros de su banda, los Wings, no tocaron un solo instrumento en las sesiones de grabación, aparecen haciéndole los coritos al notable músico. Es que Navidad es unión, pues.

Y SI NO ES, QUE REGRESE POR LA CHIMENEA…

It must be Santa (Bob Dylan)

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Este genio no podía quedarse fuera de la lista. A ritmo de polka, Bob Dylan versionó el tema Must be Santa, pero muy… muy… muy a su modo. En la canción aprovecha para recordar a sus “amigos” de toda la vida, como para celebrar estos tiempos de paz y reflexión. Eisenhower, Kennedy, Johnson, Nixon, Carter, Reagan, Bush y Clinton desfilan en su propia versión. ¡Qué grande, Zimmerman!

HABRÁ PAZ, SI TÚ QUIERES

Happy Xmas (war is over) (John Lennon)

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El final con broche de oro. ¿Qué se puede decir de esta canción? Pues, que es precisa para moquear una hora frente a la pantalla con tan desgarrador video y con tan conmovedora letra y melodía. Lennon la grabó para las festividades de 1971, como protesta por lo que sucedía en este momento en Vietnam. Un favorito para cualquier Navidad y una reflexión de que todo puede ser mejor. ¡Feliz Navidad!